Художественно-эстетическое воспитание учащихся младшего школьного возраста на примере выполнения декоративного натюрморта

Мы прекрасно знаем, что основные трудовые, профессиональные навыки закладываются в детстве. Именно с детства мы должны воспитать интерес и любовь к изобразительному искусству. Основным фактором воспитания, обучения и профессиональной ориентации учащихся, подготовки молодого человека к активному участию в развитии художественного потенциала страны является улучшение работы по развитию детского художественного творчества.

Философия, как сказал Аристотель, началась с удивления. И чудо искусства рождается от удивления. Практически искусство существует в конкретных разновидностях. Декоративное и декоративно-прикладное искусство передает особенности воспринимаемого мира, используя предметно-вещественные образы. Художественные образы бывают разными не только благодаря существованию разных видов искусства – особенности художественного образа определяются и его жизненным содержанием. В искусстве создаются образы и людей, и животных, и природы (пейзаж), и предметного мира.

Натюрморт в творчестве детей лет до десяти – одиннадцати не принадлежит к любимым жанрам. Детям еще не достает внимания к жизни вещей, желания через неодушевленные предметы рассказать о людях, их обладателях, нет у них представления о художественных возможностях и особенностях этого рода живописи. Самостоятельно задумать натюрморт, скомпоновать и поставить его без помощи руководителя они, за редким исключением не могут. Но натюрморт, поставленный педагогом – художником, если он будет красив и заденет чувства ребят, позволяет им создать интересные работы. В особенности удаются постановки декоративного характера, яркие по цвету, обогащенные узором. Неумение точно воспроизводить натуру компенсируется у детей интуитивным композиционным чувством, дети легко переделывают отдельные части натюрморта. Удачны бывают сочиненные постановки, особенно если перед глазами стоят предметы, которые дети свободно компонуют в своих рисунках.

В данной дипломной работе рассматривается художественно – эстетическое воспитание детей младшего школьного возраста на примере выполнения декоративного натюрморта.

Главным критерием при выборе темы дипломной работы явился научный интерес и стремление расширить свои познания в области декоративно - прикладного искусства и педагогики. Данный выбор стал результатом размышлений и идей, возникших на основе наблюдений на практике, изучения теории и истории развития декоративного натюрморта и чтения психолого-педагогической литературы.

Первым этапом деятельности в процессе работы над дипломом стал поиск соответствующих источников информации по выбранной теме. Основные источники: книги, учебно-методические пособия и разработки, статьи в сборниках и научно-методических работах.

После сбора информации по теме диплома я приступила к ее изучению. Важнейшей задачей на этом этапе работы явилось изучение основных понятий, научных и практических проблем по данной теме, разных точек зрения на нее, а также анализ, сравнение, группировка, систематизация и обобщение собранных материалов. В результате изучения литературы было сформировано представление о логике и этапах исследования данной темы, об основных направлениях, аспектах ее изучения, что в дальнейшем определило логическую последовательность содержания теоретической части дипломной работы.

Практическая актуальность моей работы определяется необходимостью поиска новых знаний для решения художественно-эстетического воспитания учащихся младшего школьного возраста.

Цель работы – разработать методику художественно – эстетического воспитания на примере выполнения декоративного натюрморта.

Задачи, конкретизирующие цель работы, подразделяют ее достижение на следующие этапы:

- изучить историю и особенности натюрморта;

- изучить и описать технологию и технику темперной живописи;

- выявить особенности художественно – эстетического воспитания детей;

- рассмотреть особенности обучения детей младшего школьного возраста;

- обобщив и проанализировав полученные данные, разработать методику художественно – эстетического воспитания учащихся младшего школьного возраста на примере декоративного натюрморта;

- применить на практике разработанную методику.

Объектом исследования в данной работе является воспитание учащихся средствами изобразительного искусства, предметом исследования – художественно-эстетическое воспитание на примере декоративного натюрморта.

Теоретическая часть дипломной работы изложена в пояснительной записке, практическая представлена триптихом, выполненным в технике темперной живописи.

Пояснительная записка включает в себя следующие разделы:

- титульный лист;

- оглавление;

- введение;

- основная часть (4 главы);

- заключение;

- литература;

- приложения.

В первой главе освещаются исторические сведения о натюрморте, а также его суть и особенности.

Во второй – сведения о декоративном натюрморте.

В третьей приводится перечень необходимых материалов и инструментов, дается описание техники темперной живописи, а также различные технологии выполнения декоративного натюрморта применительно к этой технике. Описаны этапы выполнения практической части дипломной работы.

В четвертой представлена методика художественно – эстетического воспитания на примере выполнения декоративного натюрморта.

ГЛАВА I. НАТЮРМОРТ

1.1 ИЗ ИСТОРИИ НАТЮРМОРТА

Изображение предметов известно в искусстве античности и средних веков (особенно богат жанр китайской живописи «цветы-птицы»). Но первым собственно натюрмортом в станковой живописи признается картина венецианца Якопо де Барбари (1504). В 17 веке жанр натюрморт переживает расцвет: фламандские мастера – Франс Снейдерс с монументальным размахом и мощью, Ян Фейт с большей глубиной и тонкостью колорита – запечатлели пышное изобилие даров природы, их красочность и пластичность; испанские натюрмортисты Франсиско Сюрбаран, Хуан Санчес Котан предпочли простоту и величие композиции из немногих обобщенных предметов; особенно богат голландский натюрморт, то скромный по выбору вещей и по колориту (Питер Клаас, Виллем Хеда), то изысканный по тонкой игре цвета и света, по выразительной фактуре предметов (Виллем Калф, Абрам Бейерен), но всегда окутанный воздухом, атмосферой домашнего уюта. Во Франции 18 века Жан Батист Шарден в лаконичных, четко построенных натюрмортах утверждал ценность и достоинство, скрытые в обыденной жизни.

В 19 веке натюрморт приобрел новый смысл, явившись знаменателем для живописцев нескольких поколений, не удовлетворявшихся ролью натюрморта как украшения интерьеров или учебной студии. Во Франции Оноре Домье внес острый социальный смысл в жанр натюрморта; Эдуар Мане придал натюрморту прозрачность, воздушность, ощущение изменчивой красоты мира; натюрморты Поля Сезанна замечательны монументальностью и философской значимостью, конструктивностью и синтетичностью художественного языка, выражением материальности мира, точной лепкой формы цветом; в натюрмортах Винсента Ван Гога экспрессия мазка, символичность ярких цветовых пятен делают предельно красноречивыми говорящие, кричащие вещи. В 20 веке открылись новые неисчерпаемые возможности натюрморта. Кубисты Пабло Пикассо и Жорж Брак во Франции, В.Е.Татлин и Л.С.Попова в России сделали предмет главным объектом художественного эксперимента, рассекая его, раскрывая его многоаспектность и геометрическую структуру. Художников русских объединений «Голубая роза» (П.В. Кузнецов, М.С.Сарьян) и «Бубновый валет» (П.П.Кончаловский, И.И.Машков, А.В.Куприн, Р.Р.Фальк), таких мастеров, как француз Анри Матисс и итальянец Джорджо Моранди, натюрморт привлекал как возможность выразить в окружающих предметах свое понимание мира и собственной личности. В советском искусстве 1930-1950-х гг. натюрморт был отодвинут в тень, но с 1960-х гг. вновь привлек художников возможностью выразить глубоко личное переживание мира и человеческой жизни (Е.А.Малеина, В.Ф. Стожаров, А.Ю.Никич, Н.И.Кормашов).

1.2 НАТЮРМОРТ И ЕГО ОСОБЕННОСТИ

Натюрморт (фр. Nature morte–мертвая натура; англ. still life, нем. Stilleben) - жанр изобразительного искусства, показывающий неодушевленные предметы, размещенные в реальной бытовой среде и организованные в единую группу. В натюрморте изображаются предметы обихода, труда, творчества, цветы и плоды, битая дичь, выловленная рыба, входящие в созданный художником контекст. Натюрморт дает разнообразные возможности - от «обманок», иллюзионистически точно воссоздающих предметный мир, до свободного истолкования вещей и наделения их сложным символистическим смыслом.

Натюрморт. Кто из художников и зрителей не любит этот жанр? Изображение самых обычных вещей способно вызывать ассоциации, далекие от бытовой их предназначенности, выражать сложные чувства и тончайшие эмоции.

Работу над натюрмортом К.С.Петров-Водкин определил как одну «из острых бесед живописца с натурой. В нем сюжет и психологизм не загораживает определения предмета в пространстве. Каков есть предмет, где он и где я, воспринимающий этот предмет, - в этом основное требование натюрморта. И в этом большая познавательная радость, воспринимаемая от натюрморта зрителем».

Пристально вглядываясь в натуру, Поль Сезанн тщательно выстраивал свои натюрморты, формируя складки на тканях, подкладывая мелкие монетки под фрукты и тарелочки, добиваясь нужного их поворота и ракурса. Дочь выдающегося русского художника Петра Кончаловского вспоминала, как ее отец несколько дней подбирал предметы, составляя натюрморты. Нередко художник тратил на их установку столько же времени, сколько затем на живопись. Мастер натюрмортного жанра Илья Машков отмечал, что «толково поставить перед собой натуру – это почти сделать картину». Подготавливая натюрморт «Снедь московская», он специально заказывал в пекарне необходимые изделия. Владимир Стожаров, бродя с этюдником по северным краям, выискивал в избах предметы русской старины. То есть процесс создания натюрморта начинается еще до его практического воплощения. Ведь уже в самой постановке предлагается идея композиции – конструктивная схема, колорит, тональность, освещение, группировка предметов. Это отнюдь не исключает впоследствии разнообразных, подчас парадоксально неожиданных компоновочных решений. Причем лаконичность постановок зачастую открывает большой простор для творчества.

При организации натюрморта и в процессе работы над этюдом художник должен, как отмечал В.А.Фаворский, видеть и «слышать тихую жизнь» предметов постановки - как они «разговаривают» друг с другом, относятся друг к другу, оказывают влияние друг на друга, строят глубину, ритмические отношения.

Через натюрморт познается реальный мир во всем его многообразии. В соответствии с нравственно-эстетическими запросами времени в натюрморте раскрывается представление о красоте мира и духовном богатстве современника, отражается широкий диапазон человеческих чувств, его взаимоотношений с окружающим миром. В жанре натюрморта особенно наглядно просматриваются пластические и колористические стороны мастерства живописца.

Живопись натюрморта - это важное средство настройки и проверки глаза художника, его рабочей «живописной формы». Не случайно многие художники, перед тем как взяться за большие жанровые или пейзажные картины, пишут натюрморты. «Натюрморт-это скрипичные этюды, - отмечал К.С.Петров-Водкин, - которые я должен делать раньше, чем приступлю к концерту».

Натюрморт – это не случайный набор предметов, которые оказались под рукой. Бездумно запечатлеть на бумаге или на холсте первые попавшиеся предметы – еще не значит написать содержательный натюрморт. Активное авторское отношение к натуре, чувство красоты должны проявляться на каждом этапе работы.

Эстетическую выразительность постановке придает разнообразие предметов по материалу, величине, цвету, тону, фактуре, контрастное сопоставление.

Натюрморт, как правило, имеет небольшие размеры. Он должен побуждать зрителя к внимательному рассматриванию, любованию красотой форм, цвета, материальных качеств предмета.

ГЛАВА II. ДЕКОРАТИВНЫЙ НАТЮРМОРТ

2.1 ПОНЯТИЕ О ДЕКОРАТИВНОСТИ

Слова «декоративность», «декорация» происходят от латинского слова «decoro», что значит «украшать». Сама природа как будто наделяет свои создания не только полезными свойствами, но и красотой. «Феникс щеголяет красотой оперения, индюк надувает и делает ярким зоб, тигр и леопард привлекают внимание своей окраской, фазан прихорашивается. В этом ключ колорита таких существ», - пишет китайский художник Ван Гай.

Декоративность – особое качество художественной формы, повышающее ее эмоциональную выразительность. Также декоративность можно рассматривать как форму выражения красоты, свойство, глубоко заложенное в эстетическом сознании народа.

Люди издавна стремились украсить свои жилища и храмы, свои вещи, свою внешность – уже за 5 тыс. лет до н.э. в государствах древнего Востока были высоко развиты художественные ремесла. Разные стороны понимания декоративности постоянно проявляются в произведениях прикладного и народного искусства: тканях, коврах, изразцах, росписи по дереву. В гробницах Месопотамии и Египта находят, например, ювелирные изделия необыкновенной красоты и сложности. «Примитивные» африканские племена превзошли даже модниц 18 века в обилии способов украшения своей внешности.

Не только декоративно – прикладное искусство занимается украшением жизни. Живопись тоже берет на себя такую задачу. Проблема декоративности для живописца состоит в том, что ему нельзя потерять содержательности, глубины и чувства связи с природой, но в тоже время нельзя пренебречь эстетическими требованиями, или, проще говоря, красотой живописи. В системе европейской эстетики нового времени полноценной считается такая живопись, которая синтезирует содержательное и декоративное начало. Если же художник слишком приближается к одному из полюсов, он встречает осуждение коллег и зрителей.

2.2 ДЕКОРАТИВНАЯ ЖИВОПИСЬ

Прикладное искусство в течение всей своей истории копило и вбирало, обобщало и шлифовало орнаментальные законы и композицию. В лучших образцах иконописи мы наблюдаем умение художника пользоваться цветовыми контрастами, ограниченным количеством цвета, создавая подлинные шедевры. Изучение этого опыта не только расширяет и обогащает кругозор художника, но и развивает в нем собственный потенциал творчества. Потому что сила настоящего мастерства заключается в том, чтобы уметь органически соединять приемы традиционного народного искусства с новым содержанием, с новыми эстетическими требованиями, уметь расти и развиваться в ногу со временем. Умение создать выразительный образ, тонкий вкус, чувство ритма, цветовой гармонии является важным в произведении декоративного плана.

Декоративная живопись, как и другие виды искусства, является формой отражения реального мира и обладает всеми качествами, характеризующими понятие декоративности. Это и повышенная цветовая гармония, тональное и контрастное решение, плоскость изображения, орнаментальность, условность решения темы и ограниченность в подборе цветов, то есть все то, что неизменно присутствует в народном искусстве.

Живописный цвет принадлежит не только миру изображения, но и самой картине – вещи, находящиеся вместе с ним, в нашем пространстве. Картина не только показывает и рассказывает, она украшает наши комнаты. Украшает, кроме всего прочего, нарядностью и богатством своего колорита. Декоративную – «украшательскую» - задачу вполне сознательно может ставить и решать живописец.

Для этого обычно подчеркивает в картине не ее сюжетную, повествовательную сторону, не пространство с его глубиной, не материальную объемность вещей, а саму плоскость картины: бегущие по ней узоры четко выделенных контуров, красивые контрасты красок. Цвет чаще всего ложится на такую поверхность ковром, ровным и плотным слоем без светотени и без воздушных расплывов. Обычно он сохраняет определенную связь с цветом изображенных предметов и одежд, с красками природы. но все-таки это уже не реальный предметный цвет, а декоративный – условный и плоскостный, усиленный и измененный для того, чтобы сделать наиболее нарядной, орнаментально красивой саму живописную поверхность.

Развитие образного мышления, цветовая культура, смелость композиционных решений – все эти качества необходимы будущему художнику. Занятия декоративной живописью помогут ему глубже понять и тоньше почувствовать всю глубину и красоту русского народного искусства.

2.3 КОЛОРИТ

Фундаментом в моей работе является цвет, не один, а несколько, их сочетания. Неотъемлемой частью композиции в декоративной работе является колорит.

Колорит в живописи представляет собой определенное сочетание цветов, гармонизирующих между собой и обладающих единством. В более узком, профессиональном смысле под колоритом понимают красоту цветовых сочетаний, а также богатство цветовых оттенков. В зависимости от преобладания в нем цветовой гаммы он может быть холодным, теплым, светлым, серебристым, голубоватым и т.п. Колорит воздействует на чувства зрителя, создает настроение в картине и служит важным средством образной и психологической характеристики.

Выбирая цвета для декоративного изделия, определяется настроение и характер передаваемой атмосферы. Нужно совершенно осознанно выбрать цвета и краски для работы и добиться с их помощью определенных результатов согласно поставленной цели.

Чтобы это получилось именно так, как хочется, пригодятся несколько советов по поводу выбора цветовой палитры деятелей науки и культуры разных времен, физиологов, психологов, а также представления людей различных вероисповеданий об ассоциациях и символике цвета.

Зеленый – это свежесть. Для любителей природы совершенно очевидно, что свежая зелень привносит в дом, особенно в холодное время года. Поэтому зеленый цвет почти всегда приветствуется, так как наряду с излучением свежести он обладает еще одним прекрасным свойством – подчеркивает красоту других цветов, особенно дополнительного красного.

Одноцветная, но разная по тону, зеленая композиция тоже может передать ощущение свежести. Работа будет казаться «зеленым чудом».

В средневековом христианстве зеленый ассоциировался с триумфом жизни, надеждой на воскресение, духовным посвящением в тайну, знаком воды и крещения, а в сочетании с золотистым и красным - с раем.

В древнерусской иконописи зеленый цвет был символом юности и цветения.

Серый – цвет благородства. Для некоторых слово серый ассоциируется в первую очередь не с цветом, а с состоянием – тусклым, беспросветно-холодным, пасмурным. Однако все зависит от того, что мы можем выразить этим цветом. В средневековом христианстве серый – это смирение, победа духа над телом. Серый – нейтральный цвет, его можно комбинировать как с теплыми, так и холодными тонами.

Белый цвет, как и серый, может выражать самые различные настроения. По Кандинскому – это рождение, по представлениям людей Древнего мира – это посвященность божеству, святость, чистота, невинность, божественный свет. Белый цвет смотрится совершенно по-разному, в зависимости от того, с каким цветом его комбинируют. Он может выглядеть холодно и просто, но одновременно благородно и элегантно. Очень нарядно будет смотреться работа, где белый цвет скомбинирован с пастельными тонами и множеством серебра.

Желтый цвет – свет и радость. С желтым цветом у нас ассоциируются солнечный свет, веселье, жизненная сила и радостная суета. И это действительно так, ибо предвестниками лета являются желтые весенние цветы: нарциссы, тюльпаны, примулы. Желтый цвет сопровождает нас в течение всего года: поздним летом мы любуемся огромными цветами подсолнечника, осенью листвой деревьев, а в конце зимы – букетами мимоз.

В Древнем Китае желтый цвет был символом императора, счастья, в средневековой Европе – цветом отверженных и изгоев, а в древнерусской иконописи золото передавало божественный свет.

Красный цвет – это тепло огня. Красный наиболее сильный излучающий свет и самый импульсивный из всех цветов. Светящийся красный одновременно передает тепло и наряженность. Не напрасно красные розы являются символом романтики, страсти и красоты. Красный цвет всегда будет доминировать и бросаться в глаза. Именно поэтому он может стать слегка навязчивым. Рекомендуют быть осторожными с красным цветом. Чувственность и тепло красный цвет будет излучать в сочетании с блеклыми розовыми оттенками, ощущение от тепла огня подчеркнут серый и зеленый цвета.

Синий передает ощущение солидности. От самого светлого и нежного сизо-голубого до насыщенного цвета стали – такова палитра синих тонов, которую вы можете выбрать. Синий цвет может быть холодным, напоминающим о темноте ночи и теней, а иногда очень живым и вдохновляюще-творческим. Синий прекрасно смотрится в комбинации с другими цветами. Гармония его оттенков будет создавать атмосферу солидности.

Контрастная комбинация синего с белым подкупает чистотой своих красок и жизненностью. Более близкие по цвету варианты зеленого и синего цвета, напротив могут образовать более стильное изделие.

Пастельные тона – нежная элегантность. Нежные и приглушенные оттенки розового, сиреневого, кремового и цвета шампанского противоположны светящимся первичным цветам. Но, несмотря на свою нежность, они не являются блеклыми и неприметными. В сочетании с белым цветом они создают совершенно особенный налет элегантности. Эти мягкие контрасты излучают нежную и спокойную ауру.

Приняв во внимание советы, можно решить – сделать ли работу тон в тон, либо создать контрастную, будоражащую композицию.

Приступая к колористическому решению произведения, необходимо также учитывать, что каждый цвет в произведении существует не изолированно. Он действует на зрителя одновременно с цветами, его окружающими.

Явление изменения светлоты цвета в зависимости от светлоты окружающего его фона носит название светлотного контраста.

Более сложные изменения происходят с цветами при хроматическом (цветовом) контрасте. Хроматический контраст – это кажущееся изменение цветового тона или насыщенности цвета в зависимости от окружающих его других цветов. Хроматический контраст ярче выражается при соприкосновении дополнительных или близких к ним цветов, причем он усиливается при уменьшении насыщенности этих цветов.

Иногда появляется необходимость в выделении и подчеркивании какого-либо цвета в общей спокойной и сдержанной гамме, включении в композицию цветового «огонька». В этом случае необходимо расположить его на фоне дополнительного цвета. Тогда по закону одновременного хроматического контраста он будет казаться ярким и насыщенным.

Выбор основной гаммы и подчинение общего колористического решения этой гамме позволяет осмысленно подходить к вопросу цветового решения произведения. Недостаточно распределить цвета по плоскости. Нужно научиться управлять возможностями, которые дают краски. Колористически гармонично решенная работа подобна музыкальному произведению, в котором явно слышится основная мелодия на фоне музыкального сопровождения, не заглушающего эту мелодию, а только подчеркивающего и обогащающего ее.

2.4 ЦВЕТОВАЯ КОМПОЗИЦИЯ

Если отвлечься от содержания произведения искусства (картины, скульптуры), то можно сказать, что для нашего зрения оно представляет собой некоторую совокупность (систему) цветовых пятен – на плоскости, объемном теле или в пространстве. Расположение этих пятен, их цветовые характеристики и размеры подчиняются определенной закономерности и логике, связанной с содержанием и назначением вещи. Вот это и называется цветовой композицией. Чтобы завершить определение цветовой композиции, нужно добавить, что она непременно содержит то или иное эстетическое качество или производит эстетическое впечатление, задуманное художником.

Теперь можно сформулировать определение цветовой композиции кратко и достаточно близко к сути: цветовой композицией называют совокупность цветовых пятен (на плоскости, объемной фигуре или в пространстве), организованную по какой-либо закономерности и рассчитанную на эстетическое впечатление.

Понятие цветовой композиции более формально и узкопрофессионально, чем понятие колорита. История и современная практика искусства показывают, что существует сравнительно немного типов цветовой композиции, среди которых можно выделить четыре основных типа и две-три разновидности.

Первый тип – монохромия.

В композиции доминирует один цветовой тон или несколько соседних цветов, воспринимаемых как оттенки основного. Монохромия встречается в искусстве всех времен и народов. При помощи композиции этого типа достигаются разнообразные и сильные эффекты:

1. Классическая простота и ясность художественного языка. (Древнегреческая живопись, краснофигурные и чернофигурные вазы, живопись барокко и реализма XVII в.).

2. Сильно направленное к определенной цели воздействие (русские иконы «Владимирская Божья матерь», « Спас нерукотворный», «Архангел Михаил», картины Рембрандта и др. на библейские сюжеты).

3. Сосредоточенность на внутреннем мире человека (средневековая живопись Китая и Японии, «метафизическая» живопись XX века – Д. Моранди, А. Васнецов, И. Маркевич).

4. Старость, угасание жизненных сил, трагизм (поздний Тициан, Тинторетто, Ф. Хальс).

5. Простота, доходчивость, броскость (геральдика – знамена, гербы, знаки отличия, изделия массовой культуры, реклама).

Второй тип – полярная цветовая композиция.

Доминантой служит пара контрастирующих цветов, противоположных (полярных) в цветовом круге. Эти цвета могут быть дополнительными, контрастными или близкими к ним. Полярную композицию могут составить только два цвета, например красный и зелено-голубой; желтый и синий; красный и синий и т.д. Эти цвета могут быть также взяты с оттенками, т.е. каждый цвет может быть развернут в монохромный ряд или группу. Кроме того, в полярной композиции, как и во всякой другой, могут участвовать ахроматические цвета. У полярной композиции свои «функции» и задачи. Чаще всего она применяется в следующих случаях:

1. Для выявления антиномий (противопоставлений), например фигура и фон; большое и малое; верх и низ; добро и зло и т.д. Сама природа «выявляет» красные и фиолетовые цветы на фоне зеленых листьев и травы, черные глаза и брови на светлом лице, она окрашивает небо в синий, а землю - в желтый цвет.

2. Для достижения эффекта декоративности, основанного на физиологической потребности глаза в «уравновешивании» впечатлений. Красота полярных сопоставлений была замечена еще в глубокой древности. В Египте фараоны носили украшения из золота и лазурита, в Месопотамии облицовывали стены глазурованным кирпичом с сине-желтыми росписями. В критских дворцах украшают стены пурпурно-зелеными и оранжево-голубыми фресками. С тех пор контрастные сопоставления возводятся в непреложный закон гармонии и декоративности.

3. С конца XIX в. и позже полярная цветовая композиция используется для передачи световых эффектов. При этом свет и тень окрашиваются в контрастные или дополнительные цвета (А. Матисс, М. Вламинк, Л. Кирхнер, Р. Дюфи, М. Аветисян, М. Сарьян).

4. Сочетание желтого с синим или оранжевого с голубым (малой насыщенности) может выражать состояние покоя, неподвижности, умиротворенности и даже беспроблемности. Поэтому так любил эту гамму П. Кузнецов и так часто ею пользуются дети.

5. Если полярные цвета насыщены и приведены к гармонии, то такая композиция используется для изображения конфликтности, напряженности, драматизма или трагизма (живопись экспрессионистов, сюрреалистов).

Третий тип – трехцветная композиция.

Основу трехцветной композиции могут составлять: триада основных цветов (красный, зеленый, синий), триада основных красок (красный, желтый, синий), а также любые три цвета при вершинах равностороннего треугольника, вписанного в цветовой круг.

Трехцветие – самый сложный тип цветовой композиции. Он занимает промежуточное положение между лаконичными первым и вторым типами и изобильным четвертым типом, его труднее гармонизировать, привести к равновесию и к единству гаммы. Если два цвета триады стоят в круге дальше, чем на 120 градусов, то они тяготеют к полярности; и третий цвет оказывается как бы «лишним», его хочется вообще убрать. Некоторые триады, хотя и построены правильно, т.е. в оптической смеси дают серый, все же производят впечатление чего-то грубого, неклассичного, например триада желто-оранжевый – голубой – фиолетово-пурпурный. Для восприятия зрителем трехцветие труднее, чем другие типы композиции. В нем как бы заключена сложная мысль, которую не всегда можно выразить словами. Поэтому трехцветие мы видим в искусстве древности и средневековья, проникнутом религиозными идеями. Часто роль желтых и оранжевых членов триады выполняло золото.

В живописи Возрождения трехцветные сочетания встречаются очень часто, но они обычно сосредоточены на одной фигуре или на группе фигур и служат как бы акцентом в композиции.

Четвертый тип – многоцветие.

Многоцветием называют такую цветовую композицию, в которой доминируют четыре и больше хроматических цвета. Обычно в многоцветии используют две пары, или четыре основных хроматических цвета: красный, желтый, зеленый, синий, а также их оттенки.

Помимо этих основных четырех типов цветовой композиции можно выделить еще два производных, поскольку они часто встречаются в живописи, прикладной графике и других жанрах искусства.

А. Многоцветие со сдвигом к одному цветовому тону.

Такая цветовая композиция представляет собой как бы синтез монохромии и многоцветия. Она встречается главным образом в пейзажной живописи, когда художник стремиться передать солнечное или лунное освещение.

Б. Ахроматическая цветовая композиция.

Такая композиция может состоять из белого и черного, а также всех промежуточных серых тонов. В нее включаться небольшие по площади акценты хроматических цветов. Природа создала много образцов бело-черно-серых гамм: зимний пейзаж, заснеженные вершины гор, дождь и туман, мех животных, оперение птиц и т.д.

2.5 ДЕКОРАТИВНЫЙ НАТЮРМОРТ

декоративность натюрморт обучение учащийся

Декоративный натюрморт, как и декоративная живопись в целом – это творческий переход от натуры к решению композиции и воплощению ее в различных материалах. В работе над декоративным натюрмортом можно научиться средствами цвета, ритма объединять разные предметы, видеть не только отдельную вещь на изолированном фоне, а предметы в их взаимосвязи.

Декоративный натюрморт – это путь к смелому решению колористических задач. Для создания наиболее выразительного образа можно придумать своеобразную тему в натюрморте. Это может быть город, театр, спорт или что-то другое, волнующее художника.

Существует несколько способов решения декоративного натюрморта:

1. Плоскостное, когда происходит обобщение воздушной и линейной перспективы.

2. Локальное решение цвета, обобщение цвета и тона.

3. Конструктивное, когда в любой форме необходимо увидеть прежде всего структуру, формообразование.

4. Орнаментальное, когда предмет превращается в деталь орнамента, кружево.

5. Образное, когда происходит переработка реалистического изображения в образ.

При выполнении декоративного натюрморта можно отталкиваться от натурного варианта постановки, стилизуя предметный мир, связывая его форму не с собственно локальным предметным цветом, а соподчиняя с правилами построения колорита. Не обязательно следовать академическим канонам живописи. В поле зрения остаются конструктивное начало, расшифровка формы, а затем применяются законы цветоведения.

ГЛАВА III. ТЕХНОЛОГИЯ ВЫПОЛНЕНИЯ ДЕКОРАТИВНОГО НАТЮРМОРТА

3.1 ТЕХНОЛОГИЯ И ТЕХНИКА ЖИВОПИСИ

Технология художественных материалов изучает способы приготовления, а также свойства и качества красок, разбавителей, кистей, основ под живопись, грунтов, подрамников. К технологии можно отнести также покрытие живописного произведения лаком или другими составами.

Техника – это совокупность специальных навыков, способов и приемов, посредством которых выполняется художественное произведение. Понятие техники охватывает также вопросы наиболее рационального и планомерного использования художественных возможностей материалов в передаче вещественности предметов, в лепке и моделировке формы, пространственных отношений и т.д. Таким образом, техника является одним из важнейших элементов системы выразительных средств живописи.

Знание техники и материалов живописи, их специфических особенностей помогает художникам наиболее полно реализовывать свой творческий замысел, создавать произведения на высоком художественно-эстетическом уровне.

Недостаточное внимание, а нередко пренебрежительное отношение к вопросам технологии, к профессиональной культуре владения живописными средствами снижает качество подготовки будущих художников-педагогов, приводит к нерациональному расходованию материалов и времени. С первых шагов изучения живописи необходимо развить в себе чувство профессиональной ответственности за свой труд, быть требовательным к выбору художественных материалов, соблюдению всего комплекса правил и приемов живописи.

Освоение технологии и техники живописи должно опираться на глубокое изучение и использование творческого опыта мастеров живописи, лучших произведений классического и современного искусства. Следует возрождать испытанные временем старые методы живописи, использовать их в практике сегодняшнего дня и, если необходимо, совершенствовать их на основе достижений современных знаний и опыта в этой области.

Особое внимание следует обращать на причины преждевременного старения и разрушения картин, на возможные пути и средства предупреждения этого.

3.2 ТЕМПЕРНАЯ ЖИВОПИСЬ

Под словом tempera (от латинского temperare – соединять) издавна подразумевали всякое связующее вещество, применяемое для приготовления красок. Темперными называют краски, приготовленные на эмульсионных связующих веществах. Каждый вид эмульсии состоит из трех элементов: воды, эмульгирующего вещества (разные виды клея) и эмульгируемого вещества (масло).

К эмульгирующим веществам относятся казеин, белок и желток яйца, гуммиарабик, декстрин, мыло. Раствор клея, механически смешиваясь с частицами масла, образует эмульсию. При таком механическом смешении воды и масла последнее находится во взвешенном состоянии и раздроблено на мельчайшие шарики, обволакиваемые раствором клея. Входя в состав связующего вещества, масло делает краски эластичными и неспособными к растрескиванию.

По сравнению с масляными красками темперные быстро высыхают, так что по просохшему слою можно уже через несколько часов писать повторно. Темпера превосходит масляную живопись и по прочности, стойкости к различным внешним влияниям.

В живописи темперными красками варианты общей композиции удобно искать в предварительных небольших набросках, добиваясь выразительности расположения объектов в том или ином формате листа, ясности тональной и цветовой задачи.

Живопись начинают с тонкослойных прокладок крупных участков этюда. Если в акварели рекомендуется работу вести от светлых тонов к темным, то в темпере нужно одновременно в полную силу тона намечать и темные места изображения. Соблюдая принцип «от общего к частному», от крупных форм переходят к выявлению нужных деталей, не упуская цельности больших цветовых масс.

Как и в масляной живописи, в темпере следует меньше употреблять белил при написании теневых участков формы, добиваясь тем самым звучности и активности цвета.

Темперная живопись позволяет применять разнообразные приемы, включая технику письма по сырому