Реформы в балете – насущное требование к искусству танца в обновляющемся мире
Русский балет — за этими словами стоит искусство, признанное во всем мире непревзойденным. Искусство одухотворенное и человечное, искусство глубокой мысли и горячего сердца, искусство, отличающееся яркой национальной самобытностью.
Русская классическая школа танца существует более двухсот лет. Для нее характерно стремление выразить духовное богатство, внутренний мир человека средствами точными, виртуозными, но при этом мастерство, совершенное владение техникой никогда не становились для нее самоцелью. «…Русской Терпсихоры душой исполненный полет…», — кратко, но исчерпывающе определял существо русского балета А. С. Пушкин.
Русские артисты по-своему отнеслись к технике танца, предложенной им зарубежными постановщиками и педагогами. Они развили её, обогатили качествами, свойственными народному танцу: выразительностью, одухотворенностью, осмысленностью.
Многие из них, начиная свою профессиональную карьеру, как танцовщики, со временем становились не только выдающимися педагогами, но и балетмейстерами, ставившими свои спектакли в лучших театрах мира.
Это А. Горский, М. Фокин, П. Гусев, И. Моисеев, Ф. Лопухов, Ю. Григорович, В. Васильев, Б. Эйфман и др.
На этой основе начало и продолжает формироваться и реформироваться то искусство, которое мы называем теперь русским балетом.
1. Мариус Петипа – родоначальник реформ в русском балетном театре
В истории русского балета много славных страниц. В 19-м – начале 20-го веков русский балет занял ведущее место в мировом балетном искусстве. Его школа обладала стойкими традициями; репертуар включал лучшие спектакли 19 века. Этим он обязан великим русским композиторам: П.И. Чайковскому, создателю бессмертных балетов «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик», А.К. Глазунову, автору балета «Раймонда». Постановка этих произведений на сцене – заслуга такого великого балетмейстера, как Мариус Петипа, работавшего в Санкт-Петербурге с 1860-х гг. и до нач. 20 в.
Петипа работал в различных жанрах, ставя и номера, и танцы в операх, и небольшие танцевальные комедии, и многоактные зрелищные спектакли, а также, исходя из практики тех лет, постоянно перерабатывал старые балеты других хореографов. Петипа мастерски сочинял танцы, точно учитывая вкусы зрителей и одновременно возможности и потребности артистов. Именно в его спектаклях на протяжении последней четверти 19 в. Постепенно складывался и утверждался тип «большого» балета, подчинённого строгим правилам академизма. Это было монументальное зрелище, построенное по нормам сценарной и музыкальной драматургии, где внешнее действие раскрывалось в пантомимных мизансценах, а внутреннее – преимущественно в канонических структурах: сольных вариациях, дуэтах и групповых танцах (служащих характеристике персонажей) и особенно – больших классических ансамблях. Начав творческую деятельность в канонах изживавшей себя эстетики романтизма, Петипа продолжил процесс обогащения лексики танца, начатый его предшественниками. В спектаклях Петипа завершился процесс отделения классического танца от характерного, в них использовались стойкие структурные формы: па-де-де, па-де-труа, гран-па и др. В виртуозно разработанных балетмейстером хореографических ансамблях (обычно служащих кульминацией действия) танцевальные темы возникали, развивались, контрастировали, слагаясь в единый образ. Уже ранние его спектакли – «Дочь фараона» (1862), «Царь Кандавл» (1868, оба – Пуни), «Дон Кихот» Минкуса (1869 в Москве и 1871 в С.-Петербурге) – поражали хореографическим разнообразием. В сцене «Теней» более поздней «Баядерки» Минкуса (1877) поэтическая обобщённость достигалась средствами танцевальной полифонии, разработки пластических мотивов.
Искания М. Петипа нашли завершение в постановках балетов с музыкой композиторов-симфонистов Чайковского и А.К. Глазунова. В «Спящей красавице» (1890) каждый акт имел свою музыкально-хореографическую кульминацию, выраженную в четырёх адажио, а содержание сказки нашло идеальное воплощение через поэтически обобщённый танец.
В «Раймонде» (1898) была виртуозно разрешена проблема взаимодействия классического и характерного танца в венгерском гран-па последнего акта.
«Лебединое озеро» Чайковского (1895) М. Петипа поставил совместно с Л.И. Ивановым, который, явившись автором «лебединых» сцен, тонко их инструментовал, сочетая танцы солистов с ансамблевыми, придал им лирико-трагедийное звучание.
В «Щелкунчике» Чайковского (1892) Л.Иванов живописно и вдохновенно передал в хореографической картине снежинок очарование русской зимы.
Благодаря спектаклям Петипа и Иванова, а также сохранявшимся в России европейским классическим балетам («Жизель» Адана, балетмейстеры Перро и Коралли; «Тщетная предосторожность» и др.) русский балет занял исключительное положение в мире как хранитель наследия в тот период, когда в Европе возобладал жанр пышной и бессодержательной феерии. Наиболее известные исполнители последней четверти 19 в. – Е.О. Вазем, Е.П. Соколова, П.А. Гердт, В.Ф. Гельцер, Н.Г. Легат, М.Ф. Кшесинская, О.О. Преображенская (С.-Петербург); Л.Н. Гейтен, Л.А. Рославлева, Н.Ф. Манохин, Н.П. Домашёв (Москва). В Мариинском театре выступали также итальянцы П. Леньяни, К. Брианца, Э. Чеккетти и др.
К началу 20 в. Утвердилась русская школа танца, впитавшая в себя элементы французской школы Дидло, итальянской Блазиса, Чекетти и датской школы Х.Иогансона. В итоге русская школа балета стала лучшей в мире, и доказательством тому явились успехи «Русских сезонов» и труппы «Русский балет» Дягилева.
2. Реформы в балете – насущное требование к искусству танца в обновляющемся мире
На рубеже 19–20 вв. в русском искусстве воцарилась эпоха модерна, появился режиссерский театр. Тип зрелищного многоактного спектакля с пантомимными сценами и каноническими формами классического танца устарел. Чтобы соответствовать эстетической концепции Серебряного века, балету были необходимы реформы,он нуждался в обновлении метода и стиля. Балетмейстеры-реформаторы А. А. Горский и М. М. Фокин выступили за цельность балетного действия, историческую достоверность стиля, естественность пластики; они выдвинули в противовес эстетике балетного академизма принцип живописности, во многом опиравшийся на народный танец. Балеты Горского и Фокина оформляли А. Н. Бенуа, Л. С. Бакст, Н. К. Рерих. Балетмейстеры-реформаторы испытали влияние искусства Айседоры Дункан, пропагандистки «свободного» танца.
Борьба нового и старого отразилась внутри балетных трупп. Классическое наследие балетного театра в Москве защищали Е. В. Гельцер и В. Д. Тихомиров, в Петербурге — О. И. Преображенская, М. Ф. Кшесинская, А. Я. Ваганова, Н. Г. Легат.
В спектаклях Горского выступали С. В. Федорова, М. М. Мордкин и др.; в балетах Фокина — А. П. Павлова, Т. П. Карсавина, В. Ф. Нижинский.
При всех противоречиях русский балетный театр стал одним из центров исканий современного искусства.
3. А. Горский и М. Фокин – молодые реформаторы балетного искусства в Москве и Санкт-Петербурге
3.1. Александр Алексеевич Горский
Возглавив московскую труппу, А.А.Горский стал осуществлять реформу балета. Горский стремился преодолеть многие условности академического балета XIX века: каноническую структуру, раздельное существование танца и пантомимы. Заботясь о логике развития сюжета, исторической достоверности и точности национального колорита, Александр Горский работал с художником Константином Коровиным.
Первым спектаклем, вошедшим в историю балета, стал «Дон Кихот» Людвига Минкуса, в 1900 году. Затем Горский создал свои редакции балетов:
«Лебединое озеро», на музыку Чайковского (редакции: 1901, 1912, 1922 годов)
«Жизель», на музыку Адольфа Адана (редакции: 1907, 1911, 1922 годов)
«Конёк-Горбунок», на музыку Цезаря Пуни (редакции: 1901, 1912, 1914 годов)
В этих спектаклях Горский усиливал действенность отдельных эпизодов, а также реформировал принципы построения кордебалетных танцев, отступив в них от правил симметричного расположения ансамбля.
Спектакль Горского лепился в Москве вопреки строгим академическим законам и заветам Мариуса Петипа. Как только талантливый ученик вырвался от пожилого мэтра, совершил путешествие из Петербурга в Москву, он начал осуществлять свои знаменитые балетные реформы. И «Лебединое» попало в зону его первостепенных интересов. Он начал с простого переноса в Москву спектакля Мариинского театра (директор императорских театров как раз и рассчитывал, что в Москве будут клонировать столичную продукцию Петипа). Это был 1901 год, самый первый год Горского в Большом театре, отсюда и юношеская робость. Дальше, при следующих возобновлениях балета, он стал смелее – посягнул на белые картины Льва Иванова и качественно переделал сцены во дворце, не говоря уже о сюжете, который отныне предполагал для Зигфрида и Одетты счастливый финал. Более всего его раздражала версальская симметрия, на которую молился Петипа. Горский восхищался большими полотнами хореографа-патриарха, но подспудно чувствовал, что новое время требует совсем иной стилистики. Горский не боялся эксперимента – во время репетиций он разговаривал с каждой танцовщицей-лебедем, объясняя ей, что она живая и эта жизнь не должна прекращаться на сцене. Отныне лебеди не стояли отрешенной от мира шеренгой, они были естественны и эмоциональны. Понятно, что пресловутая симметрия при этом ломалась, но любая революция предполагает разрушение. Еще Горскому хотелось, чтобы пантомима входила в ткань балета не инородным телом, как было раньше, когда передвижения второстепенных героев по сцене и тупое хлопанье ресницами двигали сюжет, но как бы вплеталась в танец. Он придумал роль Шута, на чьей игре держится вся первая картина во дворце. Однако игра была игрой, а большой пируэт Шута, который многие зрители принимают за принадлежность – кто спектакля Петипа, кто Григоровича, - впервые возник у Горского.
Сюжетность
Осуществив классические постановки Мариуса Петипа, Александр Алексеевич, под влиянием Московского Художественного театра, обратил свой интерес к литературным источникам, поставив балеты:«Дочь Гудулы», на музыку А. Ю. Симона 1902), где на сцене жила живая народная толпа;«Саламбо», на музыку А. Ф. Арендса (1910);«Любовь быстра!», на музыку Э.Грига (1913)В 1916 году осуществил опыт постановки балета на музыку Пятой симфонии А. К. Глазунова
Запись танца
В современном мире балетные партии артисты могут выучить по видео записи, разумеется обладая знанием академической школы, стиля спектакля и разрешением хореографа.Знание записи танцев сыграло большую роль в определении судьбы Горского. В свое время он записал постановку Петипа «Спящая красавица», и именно поэтому ему предложили поставить этот балет в Москве, что он и сделал всего за три недели.
Горский стремился преодолеть многие условности академического балета 19 в.: каноническую структуру, раздельное существование танца и пантомимы и т.п. Знаток спектаклей Петипа, он шёл от буквальных повторов его постановок в Большом театре («Спящая красавица», 1899;«Раймонда», 1900) к творческой их переработке, заботясь о целостности балетного зрелища, логике и стройности сюжета, естественности пластики, режиссуре ансамблей. Так, отвлечённые кордебалетные ансамбли Петипа он заменял танцами, оправданными действием; сотрудничая с художником К.А. Коровиным, добивался исторической достоверности оформления, точности национального колорита. Значительным явлением стала его постановка балета «Дон Кихот» в 1900. Спектакль был проникнут страстной стихией танца, который возникал из действия и эмоционально выражал его. Исходя из тех же принципов, Горский неоднократно перерабатывал «Лебединое озеро» (1901, 1906, 1912, 1920), «Жизель» (1907, 1911, 1918, 1922), а также балеты «Конёк-Горбунок», «Тщетная предосторожность», «Корсар», «Баядерка» и др. Ставя новые спектакли («Дочь Гудулы» А.Ю. Симона, 1902; «Саламбо» А.Ф. Арендса 1910; «Любовь быстра!» на музыку Э. Грига, 1913 и др.), ещё чаще создавая собственные модернизированные редакции старых, он добился того, что балет Большого театра вернул себе утраченные было любовь и уважение зрителя. В его спектаклях выступали Е.В. Гельцер, М.М. Мордкин, В.А. _аринк, С.В. Фёдорова, А.М. Балашова, В.А. Рябцев, В.Д. Тихомиров, Л.Л. Новиков, А.Е. Волинин, Ф.М. Козлов и другие.Значение Горского для балетной труппы Большого театра очень велико. Реформируя балет, Горский считался со спецификой московского театра, приверженностью его артистов драматизированному и характерному танцу, его эксперименты отвечали тенденции развития русского балета начала ХХ века. Горский оказал влияние на творчество многих крупных московских артистов: Е. В. Гельцер, М. М. Мордкина. Работая в качестве педагога в Театральном училище и в театре, воспитал несколько поколений московских танцовщиков, которые стали его последователями (В. А. Каралли, С. В. Федорова, А. М. Мессерер).
Результатом многолетней деятельности Горского в Москве явился содержательный, преобразованный, обновленный репертуар балета Большого театра. Балеты в редакции Горского и по сей день очень популярны, они идут во многих театрах мира.
Премьера первого балета Горского в Москве — «Дон Кихот», сразу же разделила критиков, зрителей и труппу на два лагеря. Вокруг спектакля развернулись ожесточенные споры, так как это было не возобновление старой постановки, а новая редакция балета. Поддерживали Горского молодежь труппы во главе с Л. А. Роедавлевой и М. М. Мордкиным и молодые художники-станковисты, из частной оперы Саввы Ивановича Мамонтова, Константин Коровин и Александр Головин, которые создали новые декорации и костюмы к спектаклю. Используя режиссерские принципы Художественного театра и достижения балетмейстера Льва Иванова, Горский изменил общепринятые каноны классического танца, обогатив его элементами народных танцев, что вносило особую ясность в передачу содержания, и спектакль становился необычайно ярким.Было изменено и либретто балета, оно стало больше приближено к произведению Сервантеса. Очень важно то» что Горский изменил стиль работы с труппой.Михаил Мордкин, (Базиль и Эспада в «Дон Кихоте»):«До того как начать работу над спектаклем, он провел беседу с артистами, и когда началась работа на сцене, то каждый участник спектакля, даже статисты, знали свое место, свою роль и свое отношение ко всему происходящему».
В балетах «Конек-Горбунок» на музыку Пуни и «Вальс-фантазия» на музыку М. И. Глинки, поставленных Горским, (в нем не было какого-либо сильного сюжета), балетмейстер стремился средствами хореографии выразить содержание музыки.
В конце 1901 года Горский начал работу над постановкой своего первого самостоятельного балета «Дочь Гудулы», по роману В. Гюго «Собор Парижской богоматери». Эта тема в балете не была новой. Уже существовал балет «Эсмеральда», поставленный Жюлем Перро. Но балет Горского сильно отличался от прежнего тем, что акцент в нем был сделан на массовых сценах.
Горский провел большую подготовительную работу. Вместе с художником Коровиным он съездил в Париж, чтобы изучить место действия балета: разработал заранее режиссерский план спектакля. Только после этого он приступил к репетициям.
24 ноября 1902 года в Большом театре состоялась премьера спектакля, музыку к которому написал Антон Симон.
Спектакль вызвал резкое осуждение со стороны знатоков балета, которые считали, что в нем мало танцев, хотя это было совершенно неверно: и танцев было достаточно, особенно в третьем акте, и поставлены они были мастерски. Спектакль отражал творческие поиски балетмейстера в области создания хореографической драмы, в которой все танцы вытекали из действия и подчинялись логике поступков главных героев. Художниками спектакля стали Константин Коровин и Александр Головин, Дирижёр — А. Ф. Арендс
Александр Алексеевич Горский прожил недолгую, но творчески очень насыщенную жизнь. Он оставил нам балеты, которые приятно исполнять артистам, и которые радуют зрителя.
3.2 Михаил Михайлович Фокин
Еще большее значение имели эксперименты М.М.Фокина.
Страстная любовь к танцу и скептическое отношение к профессии танцовщика. Первое Михаил Фокин унаследовал от матери – любительницы театра, второе – от отца, который был категорически против балетной карьеры сына. И вряд ли отец мог предположить, что его мальчик станет значимой фигурой в мировом искусстве, поставит более семидесяти балетов в лучших театрах Европы и Америки, и его назовут «балетным революционером».
Он боролся с отжившим академизмом с помощью введения в классический танец элементов свободной и фольклорной лексики. Сочинил новый тип спектакля – одноактный балет со сквозным действием, стилевым единством музыки, хореографии и сценографии и сосредоточился на фиксации мгновения хореографическими методами. На смену монументальному спектаклю пришел одноактный балет-миниатюра.
Для Мариинской сцены Фокин создал балеты Евника, Египетские ночи сцену Половецких плясок в опере А.Бородина Князь Игорь, балет Павильон Армиды Н.Н.Черепнина (1907); Шопенинана (Сильфиды) Ф.Шопена (1908), в дальнейшем для «Русских сезонов» – Карнавал (1910) и Бабочки, (1912) на музыку Р.Шумана, симфоническую поэму М.Н.Римского-Корсакова Шехеразада (1910), Видение розы К.М.Вебера (1911), Дафнис и Хлоя М.Равеля (1912). Важное значение Фокин придавал сценографии.
Художники объединения «Мир искусства» (Л.С.Бакст, А.Н.Бенуа, Н.К.Рерих, К.А.Коровин, А.Я.Головин), оформлявшие постановки Фокина, стали их полноправными соавторами.
Успеху его балетов способствовало творчество танцовщиков: А.Павловой, Т.Карсавиной, Нижинского, Мордкина, А.Р.Больма (1884–1951). Символом хореографии импрессионизма стал концертный номер Лебедь К.Сен-Санса (1907), сочиненный Фокиным для Павловой.
«Для мужского танца он дал очень большую свободу, раскрепостил его. Если до этого, в эпоху академизма и классицизма, были важны чистые, академической старо-французской школы позиции ног, рук, то здесь он раскрепостил артистов, раскрепостил пластику и дал новое направление в развитии балетного искусства», - рассказывает Сергей Вихарев, хореограф.
Уход от традиционного балетного костюма, стереотипной жестикуляции и рутинного построения номеров. Техника танца для Фокина не цель, а лишь средство выражения идеи. В 1905 году Фокин – балетмейстер, а уже через несколько лет хореограф _аринку. Создавать постановки на небалетную музыку он тоже начинает первым.
«Мне очень нравится то, что он решил сделать балет «Шопениана» в старинной манере, очень похожий на «Сильфиду», на «Жизель». Но он сделал бессюжетный балет. Без великой «Шопенианы» не существовало бы шедевра Баланчина «Серенада». Это было бы невозможно», - говорит Николай Цискаридзе, Народный артист России.
Триумфальное шествие фокинских балетов по Европе начнется с «Павильона Армиды», который он поставит вместе с Александром Бенуа. Все последующие постановки Фокина будут включены Дягилевым в программу «Русских сезонов». «Половецкие пляски», «Шехеразада» и «Петрушка» будут идти с аншлагами.
В 1918 Фокин уезжает на гастроли в Стокгольм и больше на родину уже не возвращается. Ему 38 лет. По меркам императорских театров, это пенсионный возраст. Критики отмечают утраты в танцевальной форме. Дягилев считает, что Фокин «выдохся». В Нью-Йорке хореограф открывает балетную школу, но американский балет только зарождается, и ему приходится ставить, фактически, для любителей. Еще в 1920-х – 1930-х Фокина ждали в России. Надеялись, что он возглавит _аринку, но безрезультатно.
«Человека безбожно обворовывают по сей день. Его славу, его свершения, его придумки. Потому что все, что называется именем Дягилев (он сам уже об этом писал), все принадлежит ему. Все идеи пригласить такого-то композитора, художника, потому что он сам рисовал, он все понимал, а это все время приписывается Дягилеву», - поясняет Николай Цискаридзе.
Впрочем, американским хореографом Фокин так и не стал. Он до самого конца продолжал жить своими прежними идеями, оставаясь чуждым происходящему вокруг. Он умер в 1942 году в Нью-Йорке. Но до сих пор современные постановщики восхищаются гениальными фокинскими идеями и сожалеют о том, что его имя на родине почти забыто.
4. «Русские сезоны» С.Дягилева – как один из этапов в реформе русского балетного театра
С 1909 талантливый предприниматель С.П. Дягилев начал проводить в Париже балетные «Русские сезоны», которые имели огромное общественное значение и подняли национальный престиж России. Вынеся «перед лицом мира лучшее, что есть русского» (А.Н. Бенуа. Художественные письма, «Речь», 1909, 19 июня), Дягилев показал в исполнении артистов Мариинского и Большого театров балеты Фокина с музыкой И.Ф. Стравинского («Жар-птица», 1910; «Петрушка», 1911), Черепнина («Павильон Армиды», 1909; «Нарцисс», 1911), «Шехеразаду» на музыку Н.А. Римского-Корсакова (1910), «Клеопатру» на музыку А.С. Аренского и других композиторов (1909), «Призрак розы» на музыку К.М. фон Вебера (1911), «Дафнис и Хлоя» М. Равеля (1912) и др.
Для «Русских сезонов» М.Фокин перенес в Париж свои постановки в Мариинском театре (Шопенинана в парижском варианте названа Сильфидами, Египетские ночи – Клеопатрой) и поставил балеты Стравинского Жар птица (1910) и Петрушка (1911), имевшие шумный успех. Фокин ввёл балет в контекст художественных исканий своего времени. Он обновил содержание и форму балета. Тематика его хореографических сочинений сближала их с произведениями русских поэтов, живописцев.
После ухода Фокина от Дягилева еще два балета Стравинского поставил Нижинский, (Послеполуденный отдых фавна, 1912; Весна священная). Как хореограф, Нижинский впервые обратился к формам экспрессионистского (Весна священная) и бессюжетного (Игры К.Дебюсси; 1913) балета. Обладавший феноменальным прыжком, он вернул приоритет мужскому танцу (Видение розы К.Вебера).
В 1911–1929 Дягилев основал собственную труппу «Русский балет Сергея Дягилева», гастролировавшую в Европе и в США. Хореографами у Дягилева работали Л.Мясин (поставил кубистический балет Парад (1917) с декорациями П.Пикассо и музыкой Э.Сати на либретто Ж.Кокто, Треуголку (1919) М. де Фалья, бессюжетный балет Ода на музыку Н.Набокова (1928), Женщин в хорошем настроении Д.Скарлатти, Русские сказки А.Лядова); Бронислава Нижинская (поставила балеты Стравинского Байка про Лису (1922); Свадебка (1923); Пульчинелла (1920); Меркурий Э.Сати (1924), Лани Ф.Пуленка, (1924), Стальной скок С.Прокофьева, (1927). В 1924 в труппу пришел Баланчин, который вновь обратился к музыке Стравинского, сочинив балеты Фейерверк, Песнь соловья и Апполон Мусагет, 1928, а также Бал В.Риети, 1925, Кошка А.Соге, 1927, экспрессионистский балет Прокофьева Блудный сын, 1929. Оглушительный успех имела музыка Стравинского к балетам Весны священной,рисующей картины языческой Руси с ее дерзкими созвучиями и ритмами. Нижинский угадал музыкальную тему Весны, претворив ее в пластике en dedans («закрытое» положение ног: носки и колени сведены). ДодекафонияСтравинского открыла новый этап в мировой музыке. В 1916 он продолжил тему Петрушки в Байке про Лису, Петуха, Кота да Барана. С начала 1920-х Стравинский вернулся к неоклассицизму (Пульчинелла, 1919 на музыку Дж. Перголези), с 1950 в его музыке вновь возобладала додекафония (Агон,1957). Дягилев расширил круг музыкальных произведений, исполняемых в качестве балетной музыки, включив в него Стравинского, Прокофьева, музыку французского авангарда (композиторов т.н. «Шестерки»: Сати, Форе, Соге, Орика, Орфа, Пуленка).
5. «Русские сезоны» С.Дягилева и их влияние на искусство мирового балета
«Русские сезоны» и деятельность антрепризы Дягилева стали поворотным в развитии балета в Европе, где этот вид искусства находился в упадке. В центре внимания оказались русские хореографы, танцовщики, композиторы (Стравинский, а в 1920-е гг. и С.С. Прокофьев), художники «Мира искусства», чьё участие в «Сезонах» имело огромное значение. Декорации и костюмы оформлявших балеты Фокина А.Н. Бенуа («Павильон Армиды», «Шопениана», «Петрушка»), Л.С. Бакста («Карнавал» на музыку Р. Шумана, «Клеопатра», «Шехеразада» и др.), А.Я. Головина («Жар-птица») стали открытием в мировой сценографии и, так же как хореография Фокина, воспринимались как новое слово в балетном театре. Балет был не только реабилитирован как искусство, но и стал эстетической силой, воздействовавшей на разные сферы культуры. «Русские сезоны» обозначили начало периода интенсивного влияния русского балета на балет Европы, а затем Америки и других континентов. Огромный успех антрепризы Дягилева привлёк в балетный театр известных художников и композиторов, как русских, так, несколько позже, и французских. Спектакли антрепризы помогли возрождению балета в странах, имевших свои традиции, а также – его возникновению там, где раньше этого искусства не знали.
«Русский балет Сергея Дягилева» сохранялся как явление русского искусства и после Первой мировой войны 1914–18 и Октябрьской революции 1917. Таким образом, с этого момента можно говорить о существовании русского балета не только на территории советской России, но и за рубежом (хотя пути развития этих двух ветвей русского хореографического искусства были различны), куда эмигрировали после 1917 многие артисты и балетмейстеры. На протяжении 1920–40-х гг. здесь наряду с «Русским балетом Сергея Дягилева» (просуществовавшим до 1929 – год смерти Дягилева) работали также: труппа Павловой (до 1931), а начиная с 1930-х гг.– «Русский балет Монте-Карло», «Русский балет полковника де Базиля» («Оригинальный русский балет») и др., которые тоже сохраняли традиции русского балета, одновременно их по-своему развивая. В этих коллективах ставили спектакли балетмейстеры Фокин, Мясин, Нижинская,Романов, Баланчин и артисты, как приехавшие из России, так и воспитанные за границей эмигрировавшими русскими педагогами (Т.В. Туманова, И.М. Баронова и др.). Долгие годы сохраняя русский репертуар, традиции русской школы, эти коллективы постоянно создавали новые спектакли, нередко обращаясь к явлениям жизни и искусства тех стран, где они работали.
Заключение
В наше время развитие русской балетной школы продолжается, но, к сожалению, нет той популяризации балетного искусства, которое наблюдалось в 60-е – 80-е годы. Во многом это объясняется тем, что вся культура, а не только балет лишились былой государственной поддержки, обречены повсеместно на «выживание», люди, посвятившие себя служению искусству, во многом являются истинными подвижниками и энтузиастами своей профессии.
Балетные труппы работают во всех музыкальных театрах крупнейших городов России. Только в Москве наиболее известны балетные труппы Большого театра, музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко, современный классический балет Василёва и Касаткиной.
Танцовщиков готовят 6 хореографических училищ, среди них Московское хореографическое училище, Санкт-Петербургское хореографическое училище им. А. Я. Вагановой и училища других городов России, из которых крупнейшее — Пермское училище; балетмейстеров — Государственный институт театрального искусства им. А. В. Луначарского (Москва) и Санкт-Петербургская консерватория им. Н. А. Римского-Корсакова.
Балетное искусство в нашей стране по-прежнему отличается идейностью, глубиной содержания, четко выраженной гуманистической направленностью и исканиями в различных направлениях развития классического танца в соединении с народными танцевальными традициями, с современным танцем, наиболее привлекательным для нынешнего зрителя.
С 50-х гг. многие балетные коллективы с успехом гастролируют за рубежом. Опытные хореографы и педагоги выезжают в различные страны, осуществляют постановки, участвуют в создании национальных хореографических школ. Артисты балета многих стран учатся в хореографических училищах и стажируются в лучших театрах России.
Русский балет стал ведущим в мировом балетном искусстве, он оказывает громадное воздействие на развитие балета всех континентов.
1. Красовская В. Русский балетный театр от возникновения до середины XIX в. — М.: Литература, 1958. – 314с.
2. Красовская В. Русский балетный театр второй половины XIX века. — М.: Литература,, 1963.- 295с.
3. Бахрушин Ю. История русского балета. – М.: Литература 1967. – 368с.
4. Фокин М. Против течения. – Л.: Литература 1961. – 214с.
5. Интернет–ресурс.