Работа с произведением искусства

Семинары призваны помочь студентам, будущим педагогам, в организации и методике проведения практических занятий. На семинаре группа выступает как «экспериментальный прообраз» будущих учащихся школы, с которыми каждому студенту предстоит работать по окончании колледжа.

Цель семинаров – научиться глубоко и полно понимать и истолковывать (анализировать) произведение искусства и одновременно оптимально овладеть методикой учебных занятий со школьниками, когда в качестве учебного материала выступает произведение искусства.

Очень важно овладеть умением организовать работу так, чтобы школьники вошли в контакт с художественным образом, восприняли тот духовно – нравственный опыт, который несет в себе творение духа и рук мастера, жившего задолго до нашего времени и нашего современника. Только дилетанту кажется, что достаточно рассказать детям сюжет произведения, чтобы они поняли содержание художественного образа и стали любителями искусства. У опытных учителей дети полностью сосредоточены на общении с произведением искусства. А для этого учитель должен сам научиться понимать искусство и любить его, овладеть сложной системой работы – от истолкования одного произведения, затем – монографическому анализу творчества мастера и, наконец, к проблемному или обзорному методу работы.


КОММЕНТАРИЙ К КУРСУ

Для того чтобы пользоваться методическими рекомендациями, нужно хорошо усвоить, что лежит в основе предлагаемых путей и методов работы с детьми по осознанию произведения искусства: что такое произведение искусства как носитель художественного образа?

ПОНЯТИЕ – это инструмент научного мышления и его продукт. Оно вычленяет из окружающей действительности некое явление или предмет, фрагментирует действительность. Даже обобщенная в системе понятий действительность остается представленной аналитически. Научное понятие формируется в сфере абстрактно – логического – левополушарного мышления путем целого ряда операций. Наука не дает ответа на вопрос о смысле жизни. Это и есть основное отличие понятия от художественного образа, в котором действительность представлена ЦЕЛОСТНО даже в том случае, когда художник берет за основу своего образа отдельный фрагмент реальности. Если неверно осмыслено целое, то искажено и частное. Люди с низким творческим потенциалом предпочитают «аналитический стиль опознания», а люди с высоким творческим потенциалом – целостный, холистический (холизм – принцип целостности, выражающийся в формуле: «целое больше, чем сумма его частей») стиль. В отличие от понятия с его однозначностью и определенностью в художественном образе оказывается закодированным не только то, что осознано художником, но и им самим не понятые глубины: ведь в процессе художественного творчества задействованы все слои.

Мыслеобраз (мыслеинтонация) рождается в сверхсознании, а затем оттачивается в художественно – практической деятельности, в которой принимают участие и сознание, и бессознательные автоматы, и подсознание, руководящее практическими действиями художника.

Художественный образ богаче понятия. Те глубины смысла, которыми обладает всякий художественный образ, высвечиваются в процессе восприятия реципиентом (зрителем, слушателем, читателем), и притом воспринимаются им также на различных уровнях его высшей нервной деятельности. Именно они придают художественному образу универсальность: каждый из нас читает своего Пушки, даже когда мы держим в руках одно и то же издание, каждый видит своего героя на картине художника, каждый слышит своего Баха или Чайковского, по-своему воспринимает народное искусство. В то же время художественный образ неповторим, как неповторимы явления мира и его предметы, бесконечно разнообразные, как неповторимо своеобразен каждый человек. В процессе восприятия художественного произведения во взаимодействие вступают три аспекта неповторимости:

1) Индивидуальность художника.

2) Индивидуальность реципиента.

3) Единичность самого произведения. Художественный образ есть продукт, плод, результат их взаимодействия.

СУБЪЕКТ, ПОЗНАЮЩИЙ ИСКУССТВО, ДОЛЖЕН БЫТЬ, ПРЕЖДЕ ВСЕГО, ФИЛОСОФОМ, ОБЛАДАТЬ «НАИВЫСШЕЙ МУЗЫКАЛЬНОСТЬЮ В ОБЛАСТИ МЫСЛИ».

Планируемые результаты.

Будущий учитель должен: иметь представление о том, что:

1.Искусство – это особый способ познания мира и самопознания человека, в отличие от науки не разымающий предмет освоения на части, не умерщвляющий его.

2. Изучать искусство следует по-особому, не анатомируя художественное произведение, не забывая о том, что в процессе художественного творчества и в процессе активного – сотворческого восприятия участвует сердце и душа человека.

Должен знать, что:

Работа с произведением искусства не может проходить так, как с научным материалом. Поэтому и занятия искусством, по сути, и по форме должны отличаться от всех иных занятий;

В контакте с произведением искусства следует активизировать неосознаваемую психическую компоненту высшей нервной деятельности реципиента;

Анализ произведения – это лишь часть, и даже не самая основная, работы по восприятию – пониманию и истолкованию художественного образа

Анализ протекает в понятийной, вербальной сфере сознания и, естественно, дает обедненную модель художественного образа. В процессе анализа целостный по своей природе художественный образ разымается на части, и даже соединение частей не восстанавливает целостности, поскольку происходит на том же уровне левополушарного мышления;

Работу с произведением нельзя заканчивать анализом и даже истолкованием, за границами, которых остается самое главное, то, что невозможно выразить словами. Нужно вернуться к целостному восприятию произведения, поскольку художественный образ впитывает в себя качества двух целостностей – личности художника и окружающего мира. Он являет собой воплощение мировосприятия, миропереживания, миропонимания, а значит, оказывает формирующее воздействие на эти же качества личности воспринимающей, заставляет ее резонировать, откликаться на то качество, которое отличает истинное художественное произведение от подделки и придает искусству способность «заражать» (термин Л.Н.Толстого) человека чувствами, пережитыми некогда автором. А это значит, что следует научиться самому и помочь школьнику научиться душевному, сердечному – СО-творческому восприятию и переживанию искусства.

Должен уметь:

Видеть «внутреннюю механику» - построение каждой лекции и практического занятия.

Правильно работать с художественным произведением, которое являет собой единственную реалию искусства, все остальное – «надстройка»!

Самостоятельно работать над анализом произведения в непосредственном контакте с ним – дома за письменным столом, в библиотеке, в музее, на улицах города, в концертном зале, у экрана монитора ПК.

РАБОТА С ПРОИЗВЕДЕНИМ ИСКУССТВА

К изучению произведения искусства можно подходить с различных позиций:

1)Исторической, т.е. познание художественного произведения через экономическую, социально-–культурную и религиозную характеристику той эпохи, которая сопутствовала его рождению.

2) Биографической, с ключевыми и знаменательными событиями в биографии автора, которые позволяют нам лучше понять и оценить возможные изменения стиля и этапы его творчества.

3) Знакомство с используемыми художественными приемами, т.е. технический подход. Например, очень важно уметь отличить картину, написанную маслом, от картины, написанной темперой, или рисовальную графику от печатной в рамках тех видов искусства, которые используют бумагу в качестве основы. Уметь отличить полифоническую музыку от других видов музыкальной фактуры, или услышать жанр музыки, ее форму; очерк от эссе, рассказа или повести, разновидности романа и т.д. Таким образом, мы можем прийти к выводу, что изучение произведения искусства тесным образом связано со всеми областями знания.

4) Через восприятие чувств и вкуса. Это сфера познания искусства, которая с трудом поддается оценке с объективной точки зрения и которая выходит за рамки простого изложения тех или иных сведений.

5) Вербальный подход, который состоит в том, что смотреть на произведение надо всегда новыми глазами, отодвигая на второй план все то, что мы можем знать о нем и что так или иначе может повлиять на наше восприятие. Понимание искусства предполагает личный, даже интимный диалог с произведением, поэтому оно требует определенного воображения. Согласно Э.В.Ильенкову, воображение есть «способность видеть раньше целое, чем части, и видеть правильно…». Продуктивное воображение – это способность человека создавать посредством комбинаторно – преобразующей деятельности новые наглядные образы и целенаправленно варьировать их. Репродуктивное воображение – это способность наглядно воспроизводить какой – либо образ объекта на основе его описания или условного воображения. Созданным с помощью продуктивного воображения образам присущи элементы обобщенности. Главная составляющая продуктивного воображения – дар видения целого раньше его частей в процессе общения «тет-а-тет» зрителя, читателя, слушателя с предметом художественного созерцания.

Прочтение произведения искусства состоит в том, чтобы придать смысл эмоциям, возникающим при его восприятии, и попытаться вербализовать этот смысл с помощью некоторых элементов языка искусства, его специфических особенностей.

Речь идет о моменте непосредственного контакта человека с произведением искусства - молчаливом восприятии, когда человек оказывается наедине с произведением искусства и когда собственно и зарождается индивидуальное прочтение художественного образа и постижение его духовного содержания. « Именно духовная красота, просвечивающая сквозь плоть видимого образа, обладает преобразующей силой искусства. Умиляя сердце человека, уподобляя его себе, она оказывает на него формирующее воздействие, делает его лучше, чище, добрее, учит прислушиваться не только к своему разуму, но и к сердцу». Именно таков путь спасения мира, ибо всякая цивилизация жива своей культурой, а всякая культура - тем, какого человека - своего создателя - она сумела породить. Культура – это то, что внутри человека, цивилизация – то, что снаружи. Если цивилизация начинает обгонять культуру – это трагедия. Интеллигенция живет в культуре, образованщина - в цивилизации. Именно это имел в виду Ф.М. Достоевский в своей пророческой формуле: «Красота спасет мир».

Искусство как носитель – вместилище КРАСОТЫ призвано сыграть особую роль. К сожалению, в наше время, в период позитивации, прагматизма и рационализма культуры практика одухотворяющего восприятия искусства в значительной мере утрачена. Забвение опыта преобразующего контакта с искусством вплотную подвело человека к духовному кризису. Произошла трагическая подмена: информационное восприятие искусства вытеснило общение с художественным образом. Предана забвению способность искусства вызывать душевное очищающее потрясение, для которого древние греки выработали особое понятие – КАТАРСИС, а наши предки определили как УМИЛЕНИЕ и именно так поименовали любимейшую из икон, переосмыслив ее греческое имя – ЕЛЕУСА (в точном переводе – МИЛУЮЩАЯ).

Для того чтобы состоялась встреча человека с произведением, встреча – потрясение, необходимо ее тщательно подготовить и правильно организовать работу с художественным произведением.

ЭТАПЫ РАБОТЫ С ПРОИЗВЕДЕНИЕМ ИСКУССТВА

1 ЭТАП. ПОДГОТОВИТЕЛЬНЫЙ (ПРЕЛЮДИЯ – информационное сообщение и эмоциональный настрой).

Для настроя на целостное восприятие художественного образа можно воспользоваться опытом подготовки самого творца (автора) к работе. Ведь цель – это создание взаимодействия двух сердец, двух душ – автора и воспринимающего. Произведение – это аккумулятор духовной энергии автора, вобравший в себя все, что передумал и пережил творец и проводник этой энергии к воспринимающему. Иными словами, следует пройти путь творца – художника, композитора, писателя, поэта…., максимально приблизиться к состоянию его сердца, попытаться в какой-то мере отождествить себя с ним. (Метод «Моделирования художественно – творческого процесса»). Ваша информационная и «настраивающая» работа (выступление на семинаре с докладом, сообщением, информацией, слайд-презентацией, творческой работой, исследованием и пр.) должна быть подготовлена заранее.

При подготовке целесообразно использовать:

1) Книги об авторе и его времени, эпистолярное наследие и мемуарную литературу о нем. Для начала своей работы с группой на семинаре (группа как модель школьного класса) можно выбрать характерный эпизод из жизни автора произведения, отрывок из воспоминаний о нем, о его работе над произведением, о котором пойдет речь, о впечатлении, которое оно некогда произвело на современников автора. Следует учесть, что ваш рассказ или подготовленный текст должны быть не столько информативными в прямом смысле слова, сколько эмоционально насыщенными, причем созвучно художественному образу произведения.

2) Музыку, если речь идет о произведении изобразительного искусства, можно использовать музыку, созвучную материалу сообщения и современную автору, написанную композитором - его соотечественником (меньше риск ошибиться). Можно использовать стихи или художественную прозу, высказывания об авторе или его произведении великих современников и т.д.

3) Рассказ о том, какое впечатление произвело произведение на вас при первой встрече.

Вы можете использовать и другие приемы, и любой достигнет цели, если произойдет совпадение духовного строя произведения и того, что послужит «камертоном». (Метод «Сочинение сочиненного»)

2 ЭТАП ПЕРВИЧНОЕ ВОСПРИЯТИЕ (непосредственный контакт) ПРОИЗВЕДЕНИЯ ИСКУССТВА (молчаливое созерцание, чтение, слушание, внутренняя работа в системе «человек - произведение-человек») ОБЩЕНИЕ (контакт) С НИМ.

На этом этапе работы роль посредника – учителя минимальна. Надо помочь слушателям сосредоточиться на том произведении, с которым будет вестись работа: сосредоточиться на молчаливом восприятии, на вчувствовании в него, а значит, СО–творчестве с автором, которое способно стимулировать самососредоточенность на чувстве, эмоции и переживании художественного образа, помочь войти в него. Например, можно предложить своим товарищам следующие приемы в переживании художественного образа:

Помочь войти в него, отождествляя себя с каким – либо из персонажей произведения, попытаться понять и пережить ситуацию как бы изнутри.

Иногда – «озвучить» в собственном воображении образ произведения.

Иногда – вступить с ним, или с автором во внутренний диалог.

Негромко воспроизвести музыку той эпохи, когда было создано произведение, способно обогатить его восприятие и внести дополнительные краски в образ.

Остаться наедине с произведением искусства. Воспринимающие должны на какое – то время, всей душой раствориться в нем, сосредоточиться на самом моменте восприятия и вчувствования – ЭМПАТИИ – и тогда впечатление будет обязательно сильным и адекватным!

Помнить, что предмет музыки – невидимое, логосы бытия и их отражение в сердце человека. Умосозерцающее «Я» – главная реалия и сердцевина духовного мира музыки, это ее ЦЕЛОСТНОСТЬ и только, обнаружив это целое, возможно рассмотрение множества выразительных возможностей музыки.

3 ЭТАП. ВЕРБАЛИЗАЦИЯ (словесное выражение) того, ЧТО реципиент (воспринимающий) почувствовал, пережил в период первичного восприятия (контакта).

ВЕРБАЛИЗАЦИЯ ПЕРЕЖИТОГО в момент общения с произведением – это организованная студентом (будущим учителем) попытка каждого из воспринимающих выразить словом то, что произошло в его сердце на предшествующем этапе работы.

Восприятие образа на предыдущем этапе во всей его целостности найдет слова. Но даже когда выскажется каждый студент в группе и каждый добавит и уточнит в словах общее впечатление, надо помнить, что словами художественный образ исчерпать невозможно. Вербальная копия всегда будет неполным, бледным абрисом реального художественного образа. И все же обойти этот этап нельзя, особенно в учебной работе, поскольку здесь возникает возможность выделить целостное восприятие произведения искусства.

На этом этапе главное – доверие друг к другу, отсутствие опасения попасть в неловкое положение, чрезмерно раскрыть свой внутренний мир. Учителю нужно учиться выражать вслух то, что он пережил и почувствовал, учитывая следующее:

1) Не следует заставлять своих товарищей (и школьников) раскрывать тайны своей души. Можно лишь предложить рассказать о том, что происходило в душе каждого. Главное – готовность каждого выйти на контакт с товарищами с открытым сердцем.

2) Помните: пренебрежение моментом вербализации чувства обедняет восприятие художественного образа, поскольку главный результат работы с художественным образом в процессе восприятия – коррекция, обогащение и осознанная фиксация впечатления через слово.

4 ЭТАП. АНАЛИЗ, стремление разобраться в том, КАК автору удалось вызвать именно такие чувства, мысли и переживания.

Искусствоведческий (музыковедческий) и культурологический анализ требует знания основ языка искусства, изобразительно – выразительных средств общего порядка, таких как ритм, фактура, цвет, свет, лад, перспектива, объем, форма, колорит, тональность, гармония, контраст, интонация, размер и пр., которыми по - разному пользуются все виды искусства.

Искусствоведческий и культурологический анализ произведения близки: один есть важнейшая, сердцевинная часть другого. Рассматривать отдельное произведение не только как продукт творчества автора, конкретное воплощение жанра и т. д., но и в общекультурном контексте, что позволяет вскрывать все новые пласты смысла и углубить личное понимание художественного образа. И хотя в процессе анализа мы больше узнаем о произведении, но то воздействие художественного образа, которое было пережито при восприятии творения мастера, уже оказало влияние на душу и сердце. В то же время отказ от анализа был бы ошибкой: понимание и осознание особенностей, возможностей, силы искусства – необходимый компонент в работе с произведением искусства. Наиболее надежный стилистический, культурологический и искусствоведческий анализ в единстве содержания и формы (средств выражения). «Очень важно, чтобы ученик с самого начала понимал язык любого искусства как систему изобразительно – выразительных средств, осваивал изобразительные средства не чисто технологически, а как средства выражения определенного внутреннего содержания. Содержание и форма в искусстве, неразрывно связанные и взаимообусловленные эстетические категории, основополагающие искусствоведческие понятия. В них обобщено представление о двух сторонах художественного произведения: о внутренней (ЧТО в нем выражено и отражено) и внешней (КАК, какими средствами это достигнуто)». Содержание и форма находятся в диалектическом единстве: форма не только объективирует, «овнешняет» содержание, но и выступает как его организующий принцип. Содержание художественного произведения всегда «формируется» из нехудожественных явлений жизни. Поэтому форма не может быть независимой от содержания оболочкой, а содержание не существует отдельно от формы, так как выражается и воспринимается только через форму и благодаря ей; с другой стороны, художественное содержание есть смысл художественной формы. Реально содержание и форма нераздельны, но в искусствоведческом анализе обычно выделяются стороны, уровни и элементы произведения, которые тяготеют к разным полюсам этого единства. Так, например, тема, фабула, коллизии, характеры, идея рассматриваются как содержательная сторона художественного произведения, а жанр, стиль, композиция, ритм и т.п. – как формальная. Промежуточное место между содержанием и формой занимает сюжет. Всегда будем помнить: СОДЕРЖАНИЕ ПЕРВИЧНО, А ФОРМА – ЭТО СРЕДСТВО ВОПЛОЩЕНИЯ СОДЕРЖАНИЯ! Дидактические понятия в искусстве – это эстетические понятия. Музыка, например, озвучивает смысл, интонируя его. «Библией» должен быть звук, несущий смысл из глубины души и сердца, а не нотная страница. Интонация есть ЭМОНАЦИЯ смысла в форму, т.е. в МЕЛОДИЮ. Мелодия – уникальный духовный организм, вызванный к жизни мировоззренческим содержанием исторического, национального и индивидуального стиля, жанра, конкретным художественным замыслом данного сочинения. Мелодия – душа музыки. Сила музыки – в сопереживании. Мелодия – живой голос сердца, развертывающаяся интонация, а значит, становящийся смысл, говорение человека; но одновременно – организованная конструкция, управляющая вниманием и укладывающаяся в памяти.

Интонация мелодии – это ее движущий смысл, выраженный в многомерном звуковом пространстве: меняющаяся громкость, темп, артикуляция, звуковедение и фразировка, тембр, регистр и тесситура входят в интонационно – смысловую организацию мелодии наряду со звуковысотной и ритмической стороной. Но это лишь предпосылка мелодии. Подлинное ее бытие – в конкретном интонационном оформлении.

При анализе произведения важно не уйти от интонационной целостности музыки, не потеряться в частях. Интонация – это материализация мысли. Тот, кто слышит духовно – интонационное единство в материале произведения, тот может считать себя настоящим музыкантом (композитором, исполнителем, слушателем, аналитиком), ибо он умеет интонационно мыслить. Интонационно мыслить – значит слышать жизнь в звуках, сквозь обобщенную интонацию лирического героя ощущать его душу, смотреть на мир его глазами.

Не поэт создает стихотворение, а стихотворение – поэта. В этой фразе Поля Валери – глубокий смысл. Любая сложная социальная деятельность – художественная, научная, общественно – политическая, педагогическая – имеет внутреннюю логику самодвижения. И, если субъект деятельности подчиняет себя этой логике до конца, то в конце пути он окажется зрелой, обогащенной впечатлениями и опытом личностью. Личность человека – это его жизнь, неповторимая, уникальная, с которой срослось его исходное «Я». Жизнь, прожитая не только реально, но и духовно, осмысленная в мечтаниях, промчавшаяся и сквозь художественную культуру – сквозь биографии литературных героев и героев других искусств. Мир, как заметил в «Метеоре» Чапек, состоит из горсточки фактов и космоса возможностей. Этот реально – потенциальный мир и превращается во внутренний микрокосм ЛИЧНОСТИ.

РЕКОМЕНДАЦИИ ВЫСТУПАЮЩЕМУ С АНАЛИЗОМ ПРОИЗВЕДЕНИЯ ИСКУССТВА НА СЕМИНАРЕ

Выбрав для анализа произведение, постарайтесь «вчувствоваться» в него, пережить его эмоционально и запомнить, что вас поразило, удивило. После этого приступайте к изучению специальной литературы.

2. Собирая исторический, искусствоведческий, литературный, философский, теоретический материал о выбранном произведении и его авторе, в конспекте поясните, из каких книг (автор, название, место и год издания, страница) извлечены эти сведения.

3. Максимально полно проникнув в прочитанную литературу по произведению, продумайте структуру своего выступления. Необязательно записывать все выступление, важнее обозначить главные идеи, зафиксировав их тезисно или в виде плана.

4. Прикиньте, сколько понадобится времени на размышление вслух. Если на семинаре выступают 5-6 человек, то каждое сообщение должно длиться не более 10-15 минут.

5. Любой из участников семинара может вносить дополнения по ходу обсуждаемой темы, задавать вопросы выступающему и обращаться с вопросами во время своего выступления к сокурсникам. Вопросы могут быть «наводящие» или «провокационные», и они должны быть заготовлены, придуманы заранее, но поощряются и импровизации, как по своему выступлению, так и по произведению, анализируемому выступающим студентом.

6. Нежелательно очень долго говорить о фактах, не имеющих прямого отношения к предмету разговора.

7. Нецелесообразно читать текст. Даже если вы цитируете, нужно «подсматривать» так, чтобы не утрачивать контакт с аудиторией.

8. Нельзя вставать спиной к аудитории, помните: ваш голос должен быть направлен так, чтобы всем было слышно.

9. Избегайте удобных, привычных словосочетаний, штампов, сленга. Ищите «заветное» слово, которое позволит выразить то, что ощущаете именно вы.

10. Не стесняйтесь задавать вопросы и преподавателю, и сокурсникам, но прежде найдите ответ самостоятельно.

11.Относитесь доброжелательно, без снобизма ко всем, кто работает вместе с вами: одобряя стеснительного, вы помогаете ему и себе.

12. Рассказывайте не для оценки, а чтобы постичь истину. Тогда выступление на семинаре доставит огромное удовлетворение.

13. Не перебивайте говорящего, а если возникнет такая необходимость, делайте это деликатно.

14. Рассказывая, следите за вниманием аудитории. Если вас не слушают, применяйте маленькие хитрости: задайте вопрос, сделайте неожиданную паузу или замечание по поводу обсуждаемой проблемы, пошутите и пр.

15. Помните, ваше выступление должно оставить след в душе слушателей. Оно должно быть страстным, эмоциональным и со вкусом. Страсть без вкуса в искусстве – это КАТАСТРОФА!

16. Главная заповедь учителя: никогда не ждать благодарности от своих учеников.

5 ЭТАП. ВОЗВРАЩЕНИЕ К ОБЩЕНИЮ С ПРОИЗВЕДЕНИЕМ (вторичное восприятие) НА БОЛЕЕ ВЫСОКОЙ СТУПЕНИ ОБОБЩЕНИЯ, К ЦЕЛОСТНОСТИ ЕГО ВОСПРИЯТИЯ.

После анализа произведения в процессе работы с группой следует вернуть ее к целостному восприятию произведения, к непосредственному контакту с ним (просмотр репродукции, слушание музыки, чтение стихов, цитирование текста литературного художественного произведения и пр.), при котором в восприятии оживает неповторимый художественный образ.

Таким образом, всю работу над произведением можно обозначить так: от целостного восприятия, в котором в единстве выступает осознанное и неосознаваемое, аналитическое и синтетическое, вербальное и невыразимое словом, к аналитическому разъятию и затем – возвращение к восприятию целостного образа.


ЛИТЕРАТУРА

1.Алпатов М. Композиция в живописи. – М.;1940

2.Арнхейм Р. Искусство и визуальное восприятие. - М.;1974.

3.Вельфлин Г. Истолкование искусства. - М.;1922.

4.Вельфлин Г. Сравнительное изучение истории искусства.- 1948.

5.В мире искусства. Словарь основных терминов по искусствоведению. Под ред. А.А. Мелик-Пашаева. М., 2001

6.Волков Н. Композиция в живописи. - М.;1977.

7.Волков Н. Цвет в живописи.-;1984. 8.

8.Выгодский Л.С. Психология искусства. - М.;1968.

9.Давыдов В.В. Виды обобщения в обучении. - М.;1972.

10.Даниэль С.М. Искусство видеть.- Л.;1990.

11.Демидов В. Как мы видим то, что видим. - М.;1979.

12.Павловский А.Ф. Эстетическое и художественное. М.;2001.

13.Ритм, пространство и время в литературе и искусстве – Л.;1976

14.Солодовников Ю.А. Методическое пособие к учебнику «Чело-

век в мировой художественной культуре» – М.;1999.

15.Фридлендер М. Знаток искусства. – М.; 1923.

16.Хогарт У. Анализ красоты. – Л.;1958

17.Школяр Л.В. Искусство слышать.- М.;2004.

18.Яковлева Н.А. Жанры русской живописи: основы теории и методики системного анализа: Уч. пособие.- Л.;1986.


ПРИЛОЖЕНИЕ

Анализ произведения изобразительного искусства

Мы смотрим на мир своими глазами, но видеть его, нас научили художники. С. Моэм.

Символизм и модерн в русском искусстве начала XX в. ПЕТРОВ-ВОДКИН Кузьма Сергеевич (1878- 1939) «Купание красного коня»

События октября 1917 г. первые послереволюционные годы - это время для нас стало историей и даже легендой. Воспринимая его иначе, чем наши отцы и деды, мы стремимся почувствовать и осмыслить эпоху, ее пафос и драматизм, погружаясь в ее искусство, минуя категоричные высказывания политиков.

В одной из книг, изданной в 1926 г. (Щербаков Н.М. Искусство СССР. – Новая Россия в искусстве. М., Изд-во «АХРР», 1926) , высказана мысль: «…в таких кристаллах – картине, песне, романе, статуе – памятнике – длительно хранится не одна только мертвенная, зеркальная тень жизни, но и часть энергии, которая в течение веков сохраняет свой заряд для тех, кто к ней приближается"»

Кузьма Сергеевич Петров – Водкин (1878 – 1939) представитель русского авангарда, родился в г. Хвалынске Саратовской губернии в семье сапожника. Учился недолго в Самаре, Петербурге, с 1897 г. в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А.Е.Архипова и В.А.Серова. Поездка в Италию и северную Африку, учеба в школе Ашбе в Мюнхене и парижских студиях, знакомство с европейским искусством значительно расширило художественные горизонты Петрова – Водкина. Ранний период творчества художника отмечен символистской ориентацией («Сон», 1910) , в которой угадывается влияние Врубеля и Борисова – Мусатова. Петров – Водкин стал известен в России в 1912 г., когда на выставке «Мира искусства» экспонировалась его картина «Купание красного коня», поразившая зрителей дерзкой оригинальностью. Это произведение художника знаменует важный рубеж в его творчестве: символизм его художественного языка находит пластически- образное выражение в традициях иконописной живописи, колорит – в системе трехцветья: красный, синий, желтый. Художник стремится обнаружить в человеке проявление вечных законов мирового устройства, сделать конкретное изображение олицетворением связи космических сил. Отсюда и монументальность стиля, и «сферическая перспектива», т.е. восприятие любого фрагмента с космической точки зрения, и понимание пространства как «одного из главных рассказчиков картины».

Купание красного коня.

На огромном полотне, почти плоском красном коне, занимающем добрую половину поверхности всего полотна (а оно больших размеров: 160 х. 180 см.), сидит нагой, написанный оранжево – желтой краской мальчик. Одной рукой он держится за уздечку, другой опирается на огромного красного коня, рвущегося вперед, нарочито повернувшись к нам, как бы позируя. Конь не вмещается в рамку картины, упирается в ее края. Глаз лихорадочно блестит, ноздри трепещут, но сдерживает его человек. Не гигант, а хрупкий юноша, подросток легко сидит на коне, доверчиво положив руку на упругий круп, легко и свободно управляет конем, четко выделяясь на сине – зеленом фоне водоема, в котором занимаются со своими конями еще два мальчика.

В чем смысл такого странного изображения? То, что суть не в бытовом сюжете (искусство не занимается бытовщиной) купания коней (это видно и из названия – ведь коней красных не бывает), ясно: смысл картины зашифрован, его надо суметь прочитать. По одной из современных трактовок, очень распространенных, конь воспринимается как символ России, олицетворяющей ее красоту и силу, он ассоциируется с блоковским образом «степной кобылицы», несущейся вскачь, в котором собралось и прошлое России, и ее современное, и то вечное, что останется навсегда. Другая трактовка, еще более обобщенная, высказанная искусствоведом Д.Сарабьяновым: «Это мечта о красоте, не каждодневной, а неожиданной, ощущение пробуждения, собирания энергии перед будущими испытаниями, это предчувствие больших событий, перемен».

Неконкретность замысла картины подтвердил и сам Петров – Водкин, сказавший через два года после ее создания, когда началась мировая война, что «у него неожиданно для него самого мелькнула мысль – так вот почему я написал «Купание красного коня» (Русаков Ю.А. Петров – Водкин. Искусство., 1975.) Хотя в последние годы он уже иронизировал по этому поводу, отвергая сказанное, подчеркивая нежелание привязывать свою картину к какому – то конкретному историческому событию: «Когда разразилась война, то наши многоумные искусствоведы заявили: «Вот что значило «Купание красного коня», а когда произошла революция, поэты наши написали: «Вот что значит красный конь» – это праздник революции» (цитируется по: Мочалов Л.В. Петров – Водкин – Л., «Аврора»., 1971.) Неопределенность идеи произведения, неясность заключенных в ней предчувствий являются правдивым выражением состояния души не только Петрова – Водкина, но и вообще интеллигенции первых двух десятилетий ХХ в. Переживания, стремления, мечты людей как бы материализовались в символическом образе красного коня. Они не отдельно будничны, а высоки, огромны, вечны, как извечна мечта о прекрасном будущем. Чтобы выразить это состояние, понадобился особый художественный язык.

Новаторство Петрова-Водкина основано на постижении им искусства современного и предшествующих эпох, прежде всего творчество импрессионистов и Матисса, и традиций древнерусского искусства (вспомните хотя бы известную икону Новгородской школы XV в. «Чудо Георгия о змие»), которое владело богатыми средствами изображения вечного, духовного, чистой нравственности. Четко очерченный силуэт предметов, локально закрашенные поверхности, отказ от законов перспективы и от изображения объемов, особое использование цвета – знаменитое «трехцветие» Петрова-Водкина присутствуют в этом этапном для художника полотне, выявляя своеобразие его художественного языка. В народных сказках также присутствует образ всадника на Красном коне. Слово «красный» в русском языке имеет широкое значение: красный – прекрасный, что значит не только красивый, но и добрый; красна – девица.

Активное обращение художника к традициям иконописи не случайно. Его первыми учителями были иконописцы его родного Хвалынска, расположенного на высоком волжском берегу.

Все в картине построено на контрастах. Красный цвет звучит тревожно, призывно. И как мечта, как лесная даль – голубой, и как солнечный луч – желтый. Цвета не сталкиваются, не противостоят, а гармонируют.

«Главным признаком новой эры наметилось движение, овладение пространством», утверждал художник. Как это передать? Как овладеть пространством в живописи? Петров – Водкин стремился передать безграничность мира, используя т.н. «сферическую перспективу». В отличие от линейной, открытой художниками Возрождения, где точка зрения фиксируется, сферическая перспектива предполагает множественность, подвижность точек зрения, возможность рассматривать изображаемый предмет с разных сторон, позволяя передать динамику действия, многообразие ракурсов видения. Сферическая перспектива определила характер композиции картин Петрова – Водкина и определила ритм картины. Горизонтальные плоскости получили округлость, подобно сферической поверхности земли, планетарность.

Вертикальные оси расходятся веерообразно, наклонно и это тоже приближает к ощущению космического пространства.

Цветовые гаммы Петрова – Водкина условны: цветовые плоскости локальны, замкнуты. Но, обладая тонким, врожденным чувством цвета, художник на основе своей теории перспективы цвета создавал произведения, эмоционально образный строй, которых точно и полно раскрывал идейный замысел, пафос картины.

Революционную эпоху в России Петров-Водкин принимает со свойственной ему философской мудростью. Он пишет: «В хаосе строительства всякому непоглощенному в личные счеты…звенит набатно одна струна: Будет прекрасной жизнь! Прекрасная жизнь будет!» (Цитируется по: Каменский А. А. Романтический монтаж. М., Советский художник. 1989 г.)

Любимыми темами творчества Петрова-Водкина становятся, особенно в тяжелые 20-е годы, темы материнства и детства и др.:

«1918 год в Петрограде» - «Петроградская мадонна»


Портрет Анны Ахматовой

Автопортрет

Натюрморт с синей пепелницей

Натюрморт с зеркалом


Натюрморт с письмами

Розовый натюрморт. Ветка яблони

Утренний натюрморт

Селедка

и большие монументальные полотна, в которых итог осмысления им прошедшего и современности

«Смерть комиссара

Подобные работы:

Актуально: