Техно-музыка

Введение

Ни для кого не секрет, что культура нашего поколения - это прежде всего музыкальная культура. Музыкальные носители ( проигрыватель, радио, магнитофон, СD-плейер, компьютер) стали общедоступными и любые новшества в музыкальном мире распространяются через страны и континенты с огромной скоростью. Вместе с музыкой распространяется и идеология этой музыки, её атрибуты, определённый стиль жизни.

Одним из первых вопросов, которые задают молодые люди при знакомстве, является: “ А какую музыку ты слушаешь?”. Действительно, самое типичное разделение для нашего поколения - разделение по музыкальным пристрастиям. Наш девиз: “ Скажи мне, что ты слушаешь, и я скажу, кто ты! ”. Поклонники разных стилей музыки часто просто не выносят друг друга, и дело даже доходит до серьёзных конфликтов с рукоприкладством. В большинстве своем меломаны сейчас делятся на две группы: поклонники рок музыки (всех видов) и поклонники техно-музыки.

Рок- музыка существует уже относительно давно ( ещё мой папа был фэном “ Назарет”, “Доорс” и др.) и имеет уже богатую историю, в этом смысле часть нашего поколения, увлекающаяся рок музыкой, продолжает традиции предыдущего поколения. А вот техно-музыка ( музыка с присутствием индустриальных звуков ) появилась сравнительно недавно и расцвет культуры, связанной с этой музыкой, пришёлся как раз на наше поколение, поэтому именно техно-музыка и связанные с ней явления в жизни нашего поколения и стали темой моего реферата. Своей целью я поставила собрать сведения, проанализировать их и рассказать о той культуре, приверженцем которой я являюсь.

Я начну с рассказа о группе, которая определила техно-музыку как направление, а потом перейду к истории и развитию современных стилей техно-музыки. Я считаю, что понять явление проще, если изучить его историю.

История возникновения техно-музыки

Итак, карьера Kraftwerk - это история о том, как электронная музыка стала музыкой современности. Именно им удалось придумать музыкальный язык, на котором полтора десятка лет спустя заговорила вся поп-культура.

Боги из машины

Чтобы почувствовать, в какой обстановке гиганты сделали свои первые шаги, стоит вспомнить, что в конце шестидесятых поп-музыка в Германии находилась в весьма плачевном состоянии, и большинство групп занималось перепеванием или просто исполнением английских и американских хитов. Однако такое положение устраивало, к счастью, не всех. Несколько молодых высоколобых германцев вспомнили о традициях и корнях, и начали делать искусство совсем своё, максимально не похожее на англоязычные образцы, основанное на германской традиции анализа и агрессивной рефлексии и полное печальной иронии, весьма уместной в побежденной сверхдержаве. Так появилась новая немецкая волна, подарившая кинематографу Вендерса, Херцога и Фассбиндера, и полностью изменившая представления о поп-музыке благодаря Faust, Can, Tangerine Dream и Kraftwerk. Почти у всех участников этих групп было классическое музыкальное образование, и они делали музыку, по структуре и звуку совершенно не похожую на ту, которая занимала первые строки хит-парадов - хотя и похожую местами на рок. Вскоре им стали подражать десятки немецких групп, а британская музыкальная пресса окрестила это движение “краут-роком”.

Среди основоположников этого стиля Kraftwerk стояли дальше всего от рока и максимально близко к немецкому авангарду. Достаточно сказать, что основатели группы, Флореан, Шнейдер-Эслебен и Ральф Хюттер, познакомились в 1969 году в академии искусств Дюссельдорфа, где учились в консерватории. Они решили писать собственную музыку вместе и назвались Organisation.

Первые выступления группы относились скорее к категории авангардных хэппенингов, чем к музыкальным событиям: они играли на вернисажах и в галереях, а среди их знакомых художники преобладали над музыкантами. Ральф говорил об этом периоде: “ У нас не было никакой стратегии - мы просто стали делать индустриальную музыку, используя всё, чему до этого научились. Ни тогда, ни сейчас мы не задумывались о каком-то там будущем”.

Роли в группе тогда распределялись следующим образом: Ральф играл на электрооргане, а Флореан - на скрипке и флейте. Пригласив ещё троих музыкантов, они ( что было неожиданно для немецкой группы того времени) подписали контракт на выпуск диска с английской фирмой RCA. Пластинку - она называлась Tone Float - постигла судьба весьма незавидная - в Англии группу никто не знал, а в Германии она не была переиздана и продавалась как “импортная”.

Однако для Ральфа и Флориана тогда происходили события намного более важные - они делали студию. Трудно поверить, но и сейчас, спустя без малого тридцать лет, они работают в той же самой шестидесятиметровой комнате в центре Дюссельдорфа, недалеко от вокзала! Они назвали её “студия Клинг-Кланг” и , оклеив стены звукоизолирующим материалом, начали записывать коллекцию странных и необычных звуков. Архив они хранили на стереокассетах - последнем писке тогдашней моды. Вскоре они записали второй альбом, сменив слишком интернациональное название Organisation на немецкое Kraftwerk ( “Электростанция”).

Альбом, так же называвшийся Kraftwerk, продавался неплохо, и группа начала давать концерты в рок-клубах. На их афише обнаженная девушка сидела на огромном полосатом красно-белом столбе, разделяющем ряды на автострадах - эмблеме первых двух дисков. Летом 1971 года они записали второй альбом, бесхитростно названный Kraftwerk 2, изданный на Philips. Диск этот был не только музыкальным продолжением первого, но даже вышел с той же обложкой - многие думали, что это просто допечатка тиража первого альбома. Поэтому продавался он хуже первого и не дотянул и до 50000 экземпляров. Сами же участники группы винили во всём предвоенную эмиграцию из Германии, в результате которой в стране осталось совсем немного людей, способных оценить их музыку по достоинству.

Первые два альбома, к сожалению, довольно малоизвестны даже среди ценителей группы ( возможно, потому, что лишь недавно были переизданы на CD большим тиражом), а жаль - это удивительные и необычные эксперименты со звуком и ритмическими структурами, не менее интересные, чем любой хороший арт-роковый альбом начала 70-х. Ральф и Флориан очень много экспериментировали в это время шумами и звуками искусственного происхождения, накладывая их на записи аналогового синтезатора. Консерваторское образование и штокгаузеновская школа, помогавшие им в начале, теперь уступили место поиску уникального и неповторимого звука. “ До определенного момента я учился музыке серьезно, - рассказывает Флориан, - а потом мне вдруг стало скучно. Я понял, как ограничены возможности флейты и начал искать чего-то нового. Вскоре я купил микрофон, потом усилитель с колонками, потом синтезатор. А потом я просто выкинул флейту, и это было вполне закономерно”. Новое звучание группы хорошо демонстрирует трек Klingklang со второго диска, где темп темы постоянно изменяется, следуя за ускорениями и замедлениями бита, генерируемого драм-машиной, и создавая ощущение, что именно бит является главной музыкальной темой всей семнадцатиминутной композиции, для того периода это было попросту революцией: построить музыку на бите и рисунке ударных, да к тому же электронных! Так появился их фирменный звук.

Однако для завоевания масс потребовалось добавить к фирменному звуку и простым, ритмичным и мгновенно запоминающимся мелодиям третий компонент- радикально новый имидж. Причем стало ясно , что Ральфу и Флориану это удалось в большей степени , чем, пожалуй, всем остальным музыкантам земного шара (исключая, быть может, Майкла Джексона). Kraftwerk притворились роботами...

Уже на третьем альбоме Ralf Аnd Florian определились важнейшие элементы их стиля , подсказавшие напрашивавшийся сам собой имидж: повторяющиеся синтезаторные арпеджио , позволявшие Ральфу играть их с определенной долей автоматизма, и использование вокодера- электронного устройства, искажающего речь и делающего ее как бы “механической”, позволяющего изменить ее тональность при помощи клавиатуры синтезатора. Благодаря этому музыка Kraftwerk местами стала напоминать сцены из научной фантастики- так мог звучать саудтрек к фильму о какой-нибудь планете будущего, где власть захватили человекообразные механизмы, развлекающие себя легкой музыкой. Осознав это, музыканты сделали еще один шаг: они заказали для всех членов группы одинаковые костюмы и сделали одинаковые прически- очень классические и абсолютно неотличимые друг от друга. Примерно в это же время в студии Kling Klang был установлен режим работы , не меняющийся уже двадцать с лишним лет: музыку здесь писали шесть дней в неделю с пяти вечера до часу ночи. В это же время окончательно утверждается состав группы, превратившейся в квартет, который остается неизменным вплоть до начала 90-х годов. На постоянную работу были взяты Карл Бартос и Вольфганг Флюр, до того эпизодически сотрудничавшие с Ральфом и Флорианом. С этого момента интеллектуальная прогрессив-рок-группа из Дюссельдорфа начала превращаться в данс-бит-проект, ремиксы которого сейчас занимают почетные места на полках, пожалуй, любой студии мира.

Им мало было простой известности: сам имидж Kraftwerk предполагал музыку идеальную, совершенную - не просто запись новых пластинок, а задание стратегии и стиля для всей танцевальной музыки компьютерной эры. Их альбомы становились концептуальными, обращаясь к темам, адекватным стремительно расширяющемуся миру, балансирующему на грани самоуничтожения и потерявшихся в конвейере индустриального производства людей, переставших быть тождественными себе: за “Автобаном” следовал “Транс-европейский экспресс”, а за “Радиоактивностью” - “Человек - машина”. Однако Kraftwerk, достойные последователи немецкой аналитической философии, не комментировали ни одно из этих явлений. Напротив, и в музыкальном ряду, и в текстах они максимально абстрагировались от этой реальности, оставаясь словно бы роботами, оснащенными чувствительнейшими датчиками, и скрупулёзно транслирующими для всех желающих информацию об окружающем их мире. Это отношение и выделяло их в первую очередь из числа поп-групп, немедленно давая понять, что здесь речь идёт о каком-то новом жанре, для которого ещё даже не придумали термина....

Именно в этом состоянии сознания постепенно превращающиеся в роботов люди записали первый из прославивших их дисков - Autobahn. Рецензии критиков и объемы продаж альбома немедленно убедили их , что они избрали верное направление: хвалили на диске всё. От немецкоязычного вокодированного голоса до синтезаторных пассажей на заднем плане; от беспредельного минимализма ( кстати, абсолютно адекватно передающего ощущение поездки по нескончаемой автостраде, где ни один метр не отличим от другого, и каждый из них лишен каких-либо индивидуальных признаков ) до уникальной творческой концепции и наличия своего лица. Попросту говоря, избранный способ воздействия на аудиторию начал, наконец, приносить плоды: Kraftwerk заметили и оценили по достоинству. Так начался расцвет.

Впрочем, дюссельдорфские эксперименты не намеревались останавливаться на достигнутом: уже год спустя выходит фантастический альбом Radioactivity, который по меланхолическому мелодизму способен дать фору почти любому диску того периода. Альбом о вечном распаде материи, о радиоволнах, пронизывающих бесконечно трансформирующийся и при этом такой неизменный мир, и о сладком слове “ОМ” - мантре, настраивающей сознание на повторение единственной вечной истины, которая , как известно, мать любого учения - ничего подобного никто ещё не записывал! Пластинку, в начале которой предостерегающе пищал счетчик Гейгера, а затем кодом Морзе в самое подсознание слушателю пищало K-R-A-F-T-W-E-R-K, рвали с руками. Группа стала не только популярной - она перешла в категорию моды, той самой изменчивой субстанции, которая ближе всего связана с вечностью ( совсем как радиоактивность ). За “Радиоактивностью” последовал Trans Europe Express - ещё один “крафтверковский” road movie, бесконечное в своей неизменности путешествие по застывшей в шубертовской гармонии Европе. Успех этого диска уже не должен вас удивлять - Kraftwerk научились “попадать в жилу”, хотя про этот коллектив никогда нельзя было сказать, что он подстраивается под вкусы аудитории - он всегда формировал их. Но даже на этом фоне установившегося и стабильного величия ( и, разумеется статуса корифеев и метров жанра) выделяется следующий альбом.

Kraftwerk назвали его The Man Machine, напомнив о своём социальном статусе людей - роботов, обслуживающих механизм общественного потребления музыки. На обложке альбома, оформленного в стиле конструктивизма ( отсылающего к двадцатым годам в Советской России - работам Родченко/Маяковского и утопической мечте о всеобщей механизации) по-русски написаны слова, по-русски же засэмплированные в заглавной вещи: “Я твой слуга. Я твой работник”. Фраза оказалась пророческой, но не без двусмысленности: слуги и работники потребителя, Kraftwerk, двигаясь по направлению к тотальной безличности, стандартизируя даже облик музыканта, стали ( не побоюсь этого определения ) самой “индивидуализированной” группой своего времени, обретя в поисках идентичности с индустриальной средой неповторимое собственное лицо....

В 1986 году группа выпускает последний на сегодняшний момент студийный альбом - Electric Cafe, не столь меланхоличный, сколь предыдущие, и поражающий чистотой и изяществом звука по сравнению с уже появившимися апологетами: Kraftwerk снова дали понять всем, кто за пять лет начал сомневаться, что есть иерархия в мире танцевальной и электронной музыки. New Musical Express охарактеризовали новый диск так: “Вагнер сидит в зале ожидания аэропорта и пытается вызвать по мобильному телефону носильщика”. Это был опять какой-то новый стандарт, новый язык эмоций, где метафорой меланхолии становилась фраза из песни: “ Я уделяю тебе время и внимание / пытаясь соединиться по телефону”, а вместо припева слушателя гипнотизировал закольцованный механический голос: “ Номер, набранный вами, временно отключен”.

А потом был The Mix - последняя победа студии Kling Klang над рынком поп-музыки. Этот 70-минутный альбом ремиксов не только окончательно превратил Trans-Europe Express, Pocket Calculator и Computer Love в интернациональные танцевальные хиты, но ещё и позволил группе отдать должное сразу нескольким новомодным общественным движениям: засчет того, что тексты песен у Kraftwerk всегда играли вторую роль, их можно было несколько изменить - и в композиции Radioactivity появляется упоминание городка Chernobyl. Они продемонстрировали не только тот факт, что смысл композиции можно изменить путем замены нескольких сэмплов, но и то, что функция сэмпла, “ закольцованного” обрезка речевой или музыкальной фразы в современной культуре неизмеримо важнее, чем смысл композиции......

Потом они замолчали: возможно, чем ты старше, тем труднее поддерживать идентичность самим себе, особенно, если ты начал играть музыку, растиражированную и повторенную впоследствии миллионами умелых последователей.... Так или иначе на рубеже девяностых это привело к превращению квартета в дуэт.

Но Kraftwerk не распался: хотя Бартос и Флюр ушли из группы, однако оригинальный дуэт Ральфа Хюттера и Флориана Шнейдера остался, и последние двое работают с различными составами приглашенных музыкантов ( пожалуй, они могут себе это позволить) . Kraftwerk настолько велики, что их даже не забыли, при том, что с 1991 года не выходило ни одного релиза группы, а новых песен не было аж с 1986-го. Любая другая поп-группа, осмелившаяся повести себя подобным образом, вскоре ушла бы в небытие, изредка напоминая о своём некогда славном прошлом трибьютами и сборниками greatest hits. Однако с Kraftwerk всё происходит совсем иначе: они скорее напоминают неких гуру электронной музыки, вышедших за двери храма лишь для того, чтобы загадать очередную загадку пораженным ученикам. Слухи о новом альбоме начали появляться ещё в конце 80-х, участились после выхода альбома The Mix, и с новой силой муссируются теперь адептами техно-сцены. Видавшие виды фанаты группы обычно отвечают на это так: “ Всё это очень интересно, но сам я поверю, когда подержу эту пластинку в руках!”. Однако 24 мая этого года произошло событие, всколыхнувшее весь музыкальный мир ( впрочем, в умении делать это Kraftwerk никогда нельзя было отказать ) и поколебавшее сомнения даже самых скептичных фэнов. Kraftwerk выступили в Англии “живьём” на техно-фестивале Tribal Gathering 97! Мало того - они сыграли несколько новых композиций, из чего без труда можно заключить, что новый материал всё-таки существует, и, возможно, когда-нибудь выйдет в виде альбома. А пока что, по некоторым сведениям, 50-летние музыканты записали библиотеку звуков для новой серии синтезаторов Quasar Quasimidi, а год назад Флориан Шнейдер передал немецкому журналу Keys пропущенную через вокодер запись поэмы, посвященной другому любимому инструменту - синтезатору Doepfer A-100.

“ Механическая вселенная Kraftwerk многократно клонировалась и копировалась в Детройте, Брюсселе, Милане, Манчестере, и, наконец, психоделизировалась в белой горячке хаус-культуры, - говорит в одном из последних интервью Ральф Хюттер.- Нас можно определять как угодно: научно-фантастическая музыка, техно-диско, кибернетический рок, но я всегда предпочитал термин “робот-поп”. Он в наибольшей степени отражает нашу задачу - работать над конструированием совершенной поп-музыки для племён, населяющих деревню по

имени Земля”.

Разветвление стилей

Техно, изобретённое Kraftwerk, явилось мощной базой для рождения новых стилей, создававшихся путем слияния оного с элементами любого другого. Так, например, появилось Техно-Диско - быстрый и весьма экспрессивный стиль, содержащий в себе красивую ритмическую основу и очень сильно перекликающийся с Техно-Данс ( основное различие этих стилей в отсутствии речитатива у Техно-Диско). Образчики: Double You, Haddaway, Corona и др.

Так же образовался и Техно-Рэп. 100% синтезированный звук, типичный рэповый речитатив, размеренный ритм и превалирование низких частот - вот то, что является составляющими данного стиля ( ярчайший пример - ранние альбомы Snap). Наиболее распространённым и наиболее коммерческим стилем стал вездесущий Техно-Данс, волна которого захлестнула россиян примерно в 1993 году. Его внешние данные очень просты: красивая танцевальная композиция с женскими подпевками и быстрым, иногда нереальным по скорости воспроизведения слов мужским речитативом. Обычно такие проекты состоят из двух человек: MAXX, Culture Beat, E-Rotic и др. Многие из этих коллективов являются проектами-“однодневками”, но встречаются прямо-таки “долгожители”: 2 Unlimited (4 альбома), E-Rotic (3 альбома) и др.

Один признак, однозначно показывающий коммерческую направленность этого стиля - его коньюктурность. Например, 2 Unlimited, выпустив в 1991 году свой первый сингл “Get Ready”, стал отцом небольшого переходного стиля Софт-Техно (более танцевальная сторона чистого техно). Второй их альбом был уже переходным вариантом от Софт-Техно к Техно-Данс, третий - чистый Техно-Данс, а в четвёртом уже появляются элементы House, о котором я расскажу позже. То же самое происходит и с другими группами Техно-Данс, пытающимися выжить в меняющемся мире.

Также небольшим, но оригинальным отходом от Техно-Данс являются попытки совместить элементы фольклорной или этнической музыки с элементами Техно, в результате чего появляются довольно забавные проекты: Rednex , Two Cowboys и др., которые представляют ещё один стиль - Техно-Кантри. А группы Doop, Ritz, Free Soda Inc. Творят в не менее весёлом стиле - Техно-Джаз.

Но все эти небольшие стили не делают погоды в данный момент на танцполе.

Внимание! Сейчас будет история, развитие и атрибуты самых модных на данный момент стилей техно-музыки, являющихся основой музыкальной культуры Поколения Х.

Когда из жизни уходят Вера, Надежда, Любовь, единственным пристанищем становится андеграунд.

Mad Mike «Underground Resistance»

Краткий курс истории House

Термин « House music » произошел от названия чикагского клуба « The WareHouse» , в котором эта музыка и возникла. В 1977-1983г. президентом « WareHouse» был DJ Frankie Knuckles, который играл смесь андерграундного диско, франк и соул для преимущественно чёрных, гомосексуально ориентированных посетителей. Чтобы усилить танцевальный эффект музыки, он использовал драм-машинку Roland 909, звучащую вместе с записью на пластинке и подчёркивающую ритм. Другим эффектным приёмом было смешивание при помощи обычного многоканального магнитофона композиций с синтезированным ритмом так, чтобы они незаметно для уха переходили одна в другую.

Frankie Knuckles заложил фундамент House , но большего успеха добился другой DJ того же клуба, Ron Harby, игравший в более грубом и жёстком стиле, который нравился многим посетителям, зачастившим в « WareHouse».

Музыка House достигла Британских берегов в 1986 году, когда композиция «Move Your Body», написанная Marshall Jefferson, стала заполнять заметную часть эфира столичных «пиратских» радиостанций. Этот трек вскоре стал исполняться и в некоторых лондонских клубах типа «Delirium», поддержавших House. Наступление новой музыки на Соединённое Королевство расширилось благодаря приездам чикагских DJ International и Trax и выпуску альбомов с компиляциями House музыки, такими, как серия «Jack Trax». Первым английским хитом в стиле House стала сделанная Farley Funk обработка старой песни Isaac Hayes «Love Can’t Turn Around». В сентябре 1986 эта композиция достигла десятой позиции в английских чартах, оставив отцов-основателей в Чикаго в полном недоумении от того факта, что их музыка способна стать поп-хитом в Англии. Через четыре месяца «Jack Your Body», записанная JM Silk, стала номером 1 в хит-парадах, и горячка «Jack» (так называлась манера танца под музыку House ) уже ощущалась повсюду.

Вскоре стала развиваться практика организации нелегальных андеграундных вечеринок, вызванная драконовскими законами в области лицензирования, точнее неприятной необходимостью получить специальную лицензию для столь поздних танцев и торговли спиртным. Идея подобных вечеринок состояла в том, что организаторы устанавливали звуковую (иногда и световую) аппаратуру в арендованном неиспользуемом здании, а вы просто платили на входе и могли веселиться всю ночь. House идеально подходил для таких мероприятий, и их популярность быстро росла.

Алфавит поколения Х

Мы тут много писали о рэйве, молодёжных стилях, о сиюминутном и скоротечном, как всякая мода. Забыв упомянуть о главном: ночные пляски и флюооресцентные одежды, виртуальная любовь и компьютерные забавы всецело принадлежат поколению Х.

Термин «поколение Х» родился в уме Дугласа Коупленда, написавшего книжку с аналогичным названием. В ней рассказывалось о трёх аутсайдерах, которые ушли от мира денег и наживы, жили крайне бедно, но честно, параллельно занимаясь самоанализом и осмыслением бытия. Книга вышла в 1991 году и вскоре масс медиа подхватили миф поколения Х. Об иксовиках говорили как о новых хиппи или панках, но это понятие шире. Оно включает в себя множество направлений, имея лишь одно ограничение: иксовиком может считаться тот, кто явился на свет в конце семидесятых.

Представитель поколения Х безразличен к деньгам. Он не желает играть во взрослые грязные игры. Прежде всего он хочет разобраться в себе и не намерен решать проблемы, навязанные обществом. Внешне ему неплохо живётся: можно гулять, ходить на концерты, самому делать музыку или придумывать одежду. Всем этим занимается иксовик, но на душе у него тяжко. Он мечтает об искренности. СПИД косит любвеобильных направо и налево, поэтому поколение Х предпочитает долгосрочные союзы. Без разницы, какого пола твой партнёр, лишь бы любовь и понимание, лишь бы навсегда. Навсегда получается редко: иксовики не ангелы. Над ними довлеет принцип саморазрушения. Наркотики, ночные бдения, риск, оторванность от общества, где гарантирована относительная безопасность, - всё это делает жизнь иксовиков и их самих невыносимыми. Эту «неправильность», свойственную всему поколению, психологи объясняют тем, что сегодняшние иксовики - дети вчерашних хиппи, борцов с государственной косностью. Что прямо с молоком матери они восприняли некий размытый протест, выражающийся в дурном нраве и неукротимой мечтательности. Ещё иксовиков называют «отстёгнутыми». Отчасти из-за небрежности в одежде и поведении, отчасти из-за отсутствующего взгляда и ответов невпопад. Иксовик - по жизни двоечник. Никто не может заставить его встать в строй и рассчитаться на первый-второй. В мире поколения Х нет вторых. Есть только первые.

История Х

Конечно, отстёгнутые были всегда. В 50-х годах дали жару битники, в 60-х плясали-пели хиппи, в 70-х угрюмились панки. Но все они были классифицированы позже. Как исторические явления. Поколению Х «повезло»: его заклеймили в самом начале пути.

Ветви Х

Грандж. Стиль музыки и поведения, расцветавший в начале 90-х в Сиэтле. Внешне проявлялся в патологической небрежности, свойственной обитателям студенческих общежитий. Драные джинсы-клеш, растянутые хэмингуэевские свитеры больших размеров, длинные слипшиеся волосы, козлиная бородка, тяжелые военные или туристические ботинки, татуировки и пирсинг (прокалывание тела). В музыке грандж давал себя знать мутным жужжанием, сильно полюбившимся российской молодёжи.
Эйсид-хаус, мерно переходящий в рэйв. Для первого характерны яркие цвета, парики, платформы и нейлон. Для второго - пластик и винил, как лучшие материалы для джинсов и курток, контрастные полоски по швам, фирмы «Адидас» и «Дизель». Музыка и стиль поведения были описаны выше.
Панк наступает здесь и сейчас. Одежда сужается и чернеет, в обиход входит кожа, макияж становится усталым и зловещим. Но этот виток панка ( в отличие от 70-х) не всерьёз. Игра образами продолжается. Моментальные скачки моды в сжатом виде повторяют пройденные этапы культуры ХХ века. Поколение Х - худосочные дети декаданса, регулярно случавшегося на изломе столетий.

Болезни Х

Главной болезнью поколения Х можно назвать саморазрушение (жить быстро, умереть молодым), которое имеет два обличья.

Героин, свойственный культуре панка. Он быстро и болезненно разрушает организм. Привыкание настолько велико, что умереть легче, чем соскочить. Идеология панка включает пренебрежительное отношение к своему телу. Панков можно назвать истерическими атеистами, они посылают бога на три буквы и готовы хоть завтра отправиться в ад.
Псидолические препараты подтачивают организм незаметно. Разрушение происходит медленно, исподволь. Сначала едет «крыша». Дневной сон, ночные бдения приводят к странному взгляду на жизнь, который поначалу кажется очаровательным. Галлюцинации преследуют любителей психоделических препаратов и в определённый момент берут над ним власть. Рэйвер худеет, бледнеет, его носит ветром, он уже не может спать от переутомления. Если продолжать эти эксперименты над собой достаточно долго, результат может превзойти все ожидания.

Итак, рассказ о веществе, которое стало символом и квинтэссенцией танцевальной культуры.

Экста-СИ, экста-НО

Всегда было загадкой, почему в России водку закусывают черной икрой, а в Финляндии - бисквитными пирожными. Но известно, отчего американцы употребляют экстази дома, а англичане на дискотеках: так распорядилась новейшая история массовой культуры. Медицины, конечно - тоже, но надо учитывать, что медицинский портрет экстази старательно подправлен тем же масс культом: степень вредности популярных Веществ определяется не доктором в белой шапке или химиком в белых тапках, а модой.

Экстази - продукт синтетический, а ещё лучше - продукт синтетической культуры. Первые опыты его поедания населением зависели от того культурного контекста , в котором население той или иной страны существовало. В Великобритании “Адам” сразу зарекомендовал себя как dance drug, потому что там он впервые появился именно на рынке развлечений в дискотеках и клубах ( в 1987 году сначала на острове Ибица, где любили отдыхать ди-джеи из Англии, а потом уже и в британских городах ) . Клубная публика задыхалась от позднего евродиско, искала отдохновение в house music, либо хранила верность року. Одними из первых, кто просек “танцевальность” МДМА , были стриптизёрши . Экстази не просто раскрепощает, а избавляет человека от дискомфорта , неловкости, страха. Наверное, следует принимать экстази перед смертью.....

Американцы впервые познакомились с МДМА (формулируется химиками как N-methyl-3,4-methylenedimethoxymethamphetamine ) немного раньше и по другому поводу - до середины 80-х этот амфетамин был перспективным антидепрессантом и не стал легальным препаратом только из-за того, что исследования и продвижение его на рынок лекарственных средств стоили больших денег. Патент на МДМА с 1913 года имеет немецкая компания Merk, а двух патентов на одно изобретение как правило не бывает. Немецкая компания из-за необычных свойств продукта не стала в начале века утруждаться его разработкой. Русский американец Александр Шульгин потратил много времени и сил, чтобы убедить врачей в полезности МДМА. Что-то ему удалось. В Швейцарии, например, психотерапевты имеют право с помощью МДМА производить лечение отдельных счастливцев. Но для массового распространения МДМА - подобно тому, как сейчас рассасывается по депрессивным организмам американцев и европейцев Prozac ( fluoxetine) - необходимо было создать его аналог.

Антидепрессанты, как любые другие лекарства, привычнее употреблять в комфортных условиях. Американцы не смогли от этого отказаться даже после того, как в 1991 году МДМА вернулся в Новый Свет из Старого для поддержания хорошего ритма в общественных местах во время уик-эндов.

Итак, на британских островах перед появлением экстази царствовал милый, но депрессивный рок ( The Farm, Ride, The Psychedelic Furs и другие неофициальные лица) , и вытесненному за его эстетические рамки большинству требовался альтернативный Вход. Американцы же подсели на экстази, скорее всего, из-за довольно странного deja vu - у МДМА была аура несправедливо отвергнутого гения.

Загнали в подвалы

Продавцы МДМА сначала называли новый наркотик “ Empathy” ( это когда во всё въезжаешь с пол-оборота, и возникает сильное желание дружить со всеми окружающими ), но потом придумали название привлекательнее и сексуальнее - экстази.

В прессе об экстази начали писать в 1985 году. Тогда же случился скандал с china white, одним из так называемых designer drugs (DD). DD - легальный наркотик, по воздействию ничем не отличающийся от нелегального. К DD относится, например, “Ева” - амфетамин МДЕА, напоминающий МДА и МДМА. Скандал заключался в том, что в одном из DD оказались вещества, вызывающие такие же изменения в мозге, как при болезни Паркинсона. Конгресс США тут же принял закон, по которому МДМА, МДА и МДЕА было запрещено употреблять. ( В Великобритании амфетамины были запрещены с 1977 года). Три эти амфетамина отличаются качеством и сроком действия. МДМА “ работает “ около 4-6 часов. МДА - 8-12 часов. “Ева” - 3-5.

Билеты на ночные дискотеки в Британии продавались не менее конспиративно ,чем экстази. Адреса на них указано не было - только телефон , по которому уже ночью можно было узнать , откуда и куда можно добраться до рэйв- вечеринки. Они проходили обычно за городом - как минимум в двух милях от населенных пунктов. Организаторы арендовали либо лесную поляну , либо замок , либо баржу. В 1990 году в Англии вышел закон , согласно которому подобное времяпрепровождение на воздухе было запрещено . Рэйв вернулся в клубы и больше оттуда не вылезал .

Элемент Моды

В России в начале 90-х годов никто не помышлял сдаваться на милость рэйв-культу